Exposición «Alegría» de Eva Armisén

Exposición «Alegría» de Eva Armisén

Hace unos días visité la exposición «Alegría» de Eva Armisén en la Sala de Exposiciones de La Lonja en Zaragoza.

Su obra se centra en plasmar la vida diaria y lo cotidiano como algo extraordinario. Propone una mirada vital y optimista que nos traslada a un mundo habitable y lleno de emoción.

Os voy a dar más detalles.

Datos

Fechas de la exposición: Del 10 de febrero al 24 de abril de 2022
Lugar: La Lonja
Horario: De martes a sábado de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00 horas.  Los domingos y festivos de 10.00 a 14.30 horas.  La entrada es gratuita.

¿Quieres visitar la exposición más en profundidad y conocer los detalles de las obras? No te pierdas las visitas guiadas organizadas por el servicio de Cultura del Ayuntamiento para escolares, familias y público en general. Estos son los días y horarios:
– Para escolares
Jueves, a las 10 h y a las 12 h.
Reserva previa y gratuita en el correo electrónico: didacticacultura@zaragoza.es o en el teléfono 976 721 447.
– Para familias
Sábados, a las 18 h.
– Para público general
Domingos, a las 11 h.
Reserva previa y gratuita en la recepción de la Lonja o en el teléfono 976 397 239, en el horario de apertura de la exposición.

Eva Armisén

La vida artística de la autora está íntimamente ligada a su vida personal, un hecho que se refleja en esta exposición. Bajo la apariencia de una sencillez de trazos y composiciones, ha creado un complejo universo personal. 

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, completa su formación en la Rietveld Akademie de Amsterdam y becada por la Fundación Joan y Pilar Miró de Palma de Mallorca. Vive y trabaja en Barcelona.

Contenido

La muestra se compone de más de 200 piezas entre pinturas, esculturas y cerámicas distribuidas en ocho espacios temáticos diferentes.

En sus obras, la reconocida pintora recupera experiencias y lugares intensamente vividos que quedan inmortalizados en sus creaciones, puesto que el significado profundo del arte consiste en conectar con aquello que siente y transmitir esa emoción. La exposición pretende enlazar al visitante con su propia Alegría.

Pintar la vida

La exposición está dividida en ocho etapasPintar la vida, a modo de introducción, nos presenta una serie de autorretratos.  Eva en distintos contextos, la narradora como personaje central en una muestra de sinceridad, en sus más íntimas y cotidianas poses, diciéndonos con sus obras que ella pinta la vida.  Una vida que no se entiende sin la pintura, es que parte de su esencia, una necesidad primaria.

La pintura es un acto de valentía, que lo mismo sirve para mirar sin miedo, como para trasladarse a lugares diferentes y obtener la calma, como refugio, como razón de ser.  Una vida que relaciona con el acto de tejer, de ir creando una trama, en la que cada punto lleva al siguiente, así como se teje la vida con cada acto, como cada persona se va construyendo. La vida diaria de una artista.  Y siempre con una sonrisa en los labios.

Léxico familiar. Lo extraordinario de lo cotidiano

Hace referencia al lenguaje especial que se crea en la relación con personas cercanas, y que existe mientras dura ese vínculo. Y la pintura como testigo de ese léxico familiar único.

Eva forma parte del paisaje, en compañía de esos otros seres queridos que componen su escenario familiar: padres, hijos, hermana, pareja, amigos…

Jugando, comiendo, paseando, charlando, yendo de picnic…

Viviendo, en una palabra.

Momentos cotidianos pasados con gente querida, el día a día convertido en algo extraordinario.

Personas, caricias, paisajes, olores y sabores que aparecen en las pinturas poniendo caras a la cercanía.

Creando escenas, los cuadros se convierten en testigos de momentos que ya no desaparecen.  Evocando sensaciones, instantes, recuerdos.

Amor

Amor es el título de otra sección en la que el amor aparece desde todos los puntos de vista, en diferentes contextos, recogiendo los cambios que la edad va imponiendo a los sentimientos.

Es el amor a uno mismo, de pareja, el maternofilial, el enamoramiento…

Las creaciones expuestas muestran un amplio abanico de sentimientos, situaciones y gestos que propicia el arte de quererse.

Eva es latido. Vuelo, Mariposa. Escalofrío. Una mirada lúcida ante la oscuridad.  Una mujer que se opone bellamente a la noche. (Antón Castro) 

Retratos del confinamiento

La pandemia y el confinamiento han hecho reflexionar también a la artista; en el apartado Retratos de confinamiento se recogen dibujos íntimos que Eva Armisén realizó a partir de fotografías a gente cercana o relacionada con su trabajo, en un intento de alegrar los días de encierro en las casas y mantener la comunicación. Una idea que empezó con cuatro retratos y acabó con una centena.

La lucha y la fragilidad

Fragilidad se escenifica en un conjunto de cerámicas en cuya cara principal se esculpen en relieve rostros, expresiones con títulos evocadores: Volar, Ideas, Feliz, Cabeza encendida, Mi isla y Pájaros en la cabeza.  De nuevo, lo esencial.  Lo primitivo.

Frente a ella, La lucha, que, sin duda, nos hace más fuertes. Responde al empeño de no doblegarse, de retar a los días con las herramientas que tengamos a nuestro alcance.  Cuando todo se desmorona, rearmarse y volverse a construir.  No mirar atrás o afrontar con ánimo las mudanzas que impone la vida.

Naturaleza

En el interés por retratar, dibujar, pintar, componer o colorear personas y paisajes, Eva está altamente influida por la naturaleza.  Una mirada cercana, que es lo que hay en cada una de sus obras, necesariamente tiene que estar acompañada del entorno.

Brotan así nuevos óleos sobre tela para pintar la primavera, recordar a una flor, sugerir la vida interior, mirar o volar.  Una explosión de color para formar parte del paisaje y sentirse dentro.  De nuevo la capacidad motora de la pintura y el pensamiento.  O de dejar salir las flores que llevamos dentro, que son una fuerza imparable.  Es la belleza.

Haenyeo: mujeres del mar

Está dedicado a las buceadoras de la isla surcoreana de Jeju, cuya historia y tradición se remonta a hace varios siglos. Las haenyeo forman una comunidad de mujeres de diferentes edades, algunas de ellas octogenarias, de espíritu independiente y fuerte que se dedican a la pesca sumergiéndose en el océano, sin máscaras de oxígeno, hasta los diez metros de profundidad.

Sus dibujos formaron parte de la candidatura para declarar a las haenyeo Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO.

Celebración

La vida también es una fiesta, una celebración, o tiene días y ratos alegres, de vivos colores, de fuegos artificiales, verbenas, ocios compartidos, de gratas tradiciones y anhelados encuentros.  Es Rubén Darío y sus versos diciéndonos que todo depende del color del cristal con que se mira.  Así lo hace Eva, para quien la pintura le trae alegría incluso en los momentos tristes, le abriga y le protege.

La exposición en un recorrido que conecta al visitante con su propia Alegría; una fiesta que celebra la pintura, la creatividad y el reencuentro. Porque pintar es abrir ventanas y transitar nuevos caminos; componer con notas de colores un himno a la alegría.

Mi opinión sobre la exposición «Alegría» de Eva Armisén

Es probable que la visita a esta exposición se haya producido en un momento en el que necesitaba justo eso.  Colores, alegría, amor.  Me ha encantado perderme en esas imágenes llenas de vida, de optimismo, de colores alegres, de sensaciones agradables, evocadoras de buenos momentos y de emociones que reconfortan.  Sí, el recorrido me hizo olvidarme de todo.

El título es perfecto para la muestra, porque es realmente lo que se percibe. La autora ha relatado cómo el título «Alegría» es producto del sentimiento que le provoca el recuerdo de su infancia, cuando visitaba El Pilar con su familia, porque «era un estímulo de que algo bueno pasaría».  También ha contado que ha ligado esta denominación a ese camino que recorría desde su casa hasta la céntrica plaza zaragozana.

«Algo se dispara en mi cabeza cuando inesperadamente me emociono.  Tengo la necesidad de retener esa sensación y apuntarlo rápido, que no se escape.  Son momentos de excitación, de ansia y de máximo placer  cuando en un papel, en una nota de voz o en la mano con un rotulador apunto la palabra clave, el dibujo esquemático, un color y después ya está, siento la fantasía de que es mío» (Eva Armisén)

Estoy complemente de acuerdo con la introducción que nos recibe al acceder al espacio.  Alegría es una invitación a pasear por el arte y por la vida.  La artista nos sugiere descubrir la vida de otra manera, con ojos curiosos, profundizando en la esencia del momento y de las cosas. Por descontado, también de las personas.  Y lo consigue, viendo sus obras te vuelves un poco niño, regresas a esos momentos en lo que todo tenía otro tono, en los que tú mirabas de otra forma la vida y lo que pasa en ella.

Además, las obras son tan fotogénicas…  Estos días en muchas ocasiones las he vuelto a mirar, las he pasado despacio en mi móvil, tratando de extraer una parte de su energía, de su vitalidad, de su optimismo.  Quizás en la vida todo depende de cómo nos paremos a mirar nuestro alrededor.  Y ojalá fuésemos siempre capaces de volar, de observar lo cotidiano desde otro punto de vista, más inocente, más simple, más sencillo.  Ojalá nuestras mentes funcionasen con un mecanismo más de niño, más tierno, con trazos infantiles y menos complicados.

Como dice la comisaria de la exposición, Lola Durán, las obras condensan la emoción de un instante; cualquier percepción, estímulo o visión, una mirada, una palabras… Todo va quedando acumulado en la mente de la artista, que lo almacena y nos lo devuelve transformado, pues pintura y existencia se entrelazan.

Sin duda, Eva nos quiere contagiar esa alegría y lo consigue.  Ha creado un mundo mágico y visitarlo es una maravilla.  Os recomiendo este viaje fantástico, este periplo por escenas vitales, os recomiendo que la veáis y que miréis cada detalle, que os llevéis con vosotros esos colores y esa forma de contemplar el mundo.  Yo prometo volver a verla antes de que termine.  Y espero hacerlo un día con menos gente, en una visita más íntima y relajada, sin colas en la entrada.

«La inspiración viene de noche, de día, en sueños, pero cuando viene sé que tengo que ser veloz y fijarme muy bien en todos los detalles que me enseña.  Es cuestión de segundos que esa sensación primera desaparecerá.  Esos segundos para mí son poderosos, todo el proceso creativo arranca a partir de ahí.  Es un escalofrío, un chispazo, un cortocircuito.  Otra manera de ver» (Eva Armisén) 

¡Espero que os guste!  Y no dudéis en acercaros, si tenéis ocasión.   Como siempre, os aconsejo que después os toméis un aperitivo o un café en un sitio bonito con una buena compañía que os calme el alma y os mire con ojos como los que pinta Eva.  O mejor que os dibuje una de esas sonrisas de línea curvada hacia arriba.

 

Exposición «La estela de Corrado Giaquinto en España»

Exposición «La estela de Corrado Giaquinto en España»

Justo el día que terminaba, visité la exposición «La estela de Corrado Giaquinto en España», que podía verse en el  Museo de Goya.  Una muestra muy interesante, en un espacio fantástico de Zaragoza.  Aunque ya no puede verse, os la cuento ¿me acompañáis?

Datos

Fechas de la exposición: Del 24 de junio al 26 de septiembre de 2021.
Lugar: Museo de Goya.
Horario: De martes a sábado, de 10 a 14 h y de 16 a 20 h. Domingos y festivos, de 10 a 14 h Lunes, cerrado.

Corrado Giaquinto

El pintor italiano Corrado Giaquinto (Molfetta, 1703 – Nápoles, 1766) estuvo en España entre 1753 y 1762 como primer pintor de cámara de Fernando VI y Carlos III, y como director general de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y formó parte de la junta encargada de planificar y decidir la decoración del Palacio Real Nuevo de Madrid, que custodia lo mejor de su obra, tanto en techos y cúpulas pintadas al fresco, como lienzos.
Con su colorido alegre y de luces tornasoladas influyó en los mejores pintores españoles de la segunda mitad del siglo XVIII.

Objetivo de la exposición «La estela de Corrado Giaquinto en España»

Esta exposición mostraba cómo el gran pintor italiano Corrado Giaquinto influyó.  Primero en Roma, y después durante su estancia en España, entre 1753 y 1762.  Influyó con su manera de pintar, ligera, deshecha y chispeante. También con su colorido alegre y de luces tornasoladas, en los mejores pintores españoles de la segunda mitad del siglo XVIII.

Esos que fueron pintores de Cámara y directores de Pintura de la Real Academia de San Fernando de Madrid, desde Antonio González Velázquez Francisco Bayeu a Maella Goya.

Contenido

La exposición contaba con 36 obras.  La mayor parte de ellas procedentes de colecciones particulares y, por tanto, poco o nada vistas hasta ahora.  Y forma parte de los eventos conmemorativos del 275 aniversario del nacimiento de Goya.

Nos brindada la oportunidad de ver tres obras de juventud de Goya y otra más que hasta ahora no se había exhibido.

De Goya se exhibían siete óleos, Entre los mismos, se encontraba una destacada: ‘Virgen del Pilar con Santiago y uno de los convertidos zaragozanos’.  Es la primera obra conocida y firmada por el pintor aragonés.

También se mostraban tres del maestro Corrado Giaquinto.

Y se completaba con:

  • once obras de Francisco Bayeu
  • diez de Antonio González Velázquez,
  • tres de José Luzán,
  • una de Manuel Bayeu y
  • una de Antonio Preciado de la Vega.

La mayoría era de temática religiosa.  Pero también había algunas de contenido mitológico.

La exposición «La estela de Corrado Giaquinto en España» estaba dividida en dos salas.

Primera Sala: Corrado Giaquinto, González Velázquez y La Santa Capilla

En la primera se podían contemplar las obras de Guiaquinto Antonio González Velázquez principalmente. Y con especial atención a la pintura de la cúpula sobre la Santa Capilla del Pilar de Antonio González Velázquez.  Una obra supervisada por Giaquinto, por su importancia en la evolución de la pintura aragonesa y española entre 1754 y 1775.

Entre 1750 y 1775 las obras del pintor italiano fueron referentes en el proceso de aprendizaje de sus discípulos españoles y de los jóvenes pintores autóctonos, que sacaron copias de ellas y de sus bocetos.

Se iniciaba el recorrido con ‘El sueño de San José‘ y ‘La aparición de la Virgen a San Felipe de Neri‘ de Corrado Giaquinto  Son dos de las obras destacadas que trajo de Roma, que fueron reproducidas por Francisco Bayeu y Antonio Gónzalez Velázquez.

En ese espacio también se presentaba:  ‘Una joven ofrece una copa de vino a un joven pastor, mientras contemplan sentados sobre un montículo la puesta de sol‘, de Antonio González Velázquez y ‘Santa María Magdalena penitente‘ de Francisco Preciado de la Vega.

Continuaba con las copias que Francisco Bayeu y Antonio González Velázquez hicieron de los cuadrosLa flagelación de Cristo’ y ‘La oración de Cristo en el Huerto de los Olivos’.  Ambos los pintó Giaquinto pintó para el oratorio de la reina Bárbara de Braganza, del Palacio del Buen Retiro, reproducidos en esta muestra para su comparación.

El resto de la sala se dedicaba a las pinturas de la cúpula sobre la Santa Capilla del Pilar, realizadas por Antonio González Velázquez con la supervisión de su maestro Corrado Giaquinto. Fue el gran discípulo de Giaquinto y el primer gran decorador que trajo el giaquintismo a España. Su gran pintura al fresco de la cúpula sobre la Santa Capilla del Pilar se considera el manifiesto de la pintura rococó en España y es su obra cumbre, que le sirvió de presentación en Madrid para triunfar.

Segunda Sala: la influencia de Giaquinto en los aragoneses

La segunda estaba dedicada a los artistas aragoneses, continuadores de la estela de Giaquinto: José Luzán, Francisco Bayeu y Francisco de Goya.

Comienza el recorrido con tres obras de José Luzánmaestro de Bayeu y Goya. Luzán trajo de Nápoles la influencia de la pintura italiana. Sigue con las obras de Francisco Bayeu, principal responsable de la difusión del giaquintismo en Zaragoza a partir de la década de 1750. Destacan los cuadros ‘Virgen del Rosario’, ‘Descendimiento de Cristo de la Cruz’, que fue realizado para una escena de la sacristía de la actual iglesia zaragozana de Santiago el Mayor, así como ‘El dios Vulcano’, que hizo probablemente como modelo académico para sus discípulos.

Goya se mostró interesado por el giaquintismo, de moda en la pintura española de las décadas de 1750 y 1760, desde su formación con Bayeu, en su viaje a Roma y durante su estancia en Madrid, ciudad en la que tuvo la ocasión de conocer las grandes obras de Giaquinto y Antonio González Velázquez en el Palacio Real Nuevo.

La exposición finalizaba con siete obras de Goya de cronología temprana, incluso tres eran inéditas:

  • ‘Virgen del Pilar con Santiago y uno de los convertidos zaragozanos’, firmado en la cara y el reverso y primera obra conocida del pintor.  Destaca su conservación en el tiempo y su peculiar modo de presentación.
  • San Cristóbal’
  • ‘Dios Padre y el Espíritu Santo en la Gloria’, la primera obra de gran formato.

  • las dos versiones del ‘Sacrificio a Príapo’, por primera vez expuestas juntas, de modo que pueden compararse.
  • otro ‘San Cristóbal‘ 
  • La Gloria o La Adoración del nombre de Dios‘, en la segunda planta del Museo, junto al resto de las obras del pintor aragonés.

Mi opinión sobre la exposición «La estela de Corrado Giaquinto en España»

Era esta una exposición realmente interesante y un complemento perfecto para el resto del contenido del Museo Goya de Zaragoza.  Este Museo fue en origen una casa que perteneció al infanzón Jerónimo Cósida y a su esposa Violante de Albión, representantes de dos familias de cierto rango en la ciudad. Su construcción se inició en 1535 y se prolongó durante todo ese año.

El maestro de casas morisco Juan de Lanuza se hizo cargo de las obras. El inmueble es buen ejemplo del progreso de la recepción del Renacimiento en las viviendas de Zaragoza.

Este espacio expone de Goya catorce pinturas, un dibujo y las cinco grandes series que grabó. La cronología de estas obras de Goya, que abarca desde la época juvenil zaragozana (1762-1774), hasta su estancia en Burdeos, donde muere en 1828, hacen de este museo uno de los centros de referencia para el conocimiento de la obra del pintor de Fuendetodos.

Además, durante la exposición se produjo una importante noticia, porque se supo que el Museo Goya iba a incorporar a su colección tres nuevas obras del genio de Fuendetodos.  Entre ellas, la considerada como la primera pintura conocida y firmada por el artista aragonés, de la que os he hablado más arriba: ‘Virgen del Pilar con Santiago y uno de los convertidos zaragozanos’ (1759-1760). Los tres «goyas» proceden de una colección particular.

Asimismo, ha incorporado otras ocho obras de Bayeu, González Velázquez, Giaquinto y Preciado de la Vega.

Las once obras se han exhibido en la exposición ‘La estela de Corrado Giaquinto en España: de González Velázquez y Bayeu a Goya’ y, al concluir se han quedado «de forma indefinida» en el Museo.  Un lujo para la ciudad ¿no?

Por si esto fuera poco, en la exposición se intercalaban textos explicativos de cada uno de los artistas y frases coetáneas de documentos sobre la opinión de estos autores.

Corrado Giaquinto es pintor de la escuela mixta, y resultará más completo para el servicio de Su Majestad, pues resume lo mejor de la escuela napolitana y de la romana. (Informe de don Alfonso Clemente de Aróstegui para el secretario de Estado José de Carvajal y Lancaster, 1752). 

Además, el increíble contenido terminaba con la proyección del documental “La Santa Capilla del Pilar”, un audiovisual de 50 minutos de duración del realizador José Manuel Herráiz, coproducido por Albella Audiovisual y la Televisión Autonómica de Aragón.

Aunque ya no podéis ir a verla (siento haberla visitado tarde), no os debéis perder una visita al Museo Goya, os aseguro que merece la pena, porque ahora ya cuenta en su colección con 23 obras de Goya: 17 pinturas, un dibujo y las cinco grandes series de grabados.  La espectacular sala en la que se enseñan los grabados os va a sorprender gratamente, os lo aseguro.  Merece la pena una visita e ir parándose en cada uno, leyendo la descripción que se ilumina.

¡Espero que os guste!  Seguro que un solo vistazo al patio que os recibirá os bastará para saber que os espera algo especial.

 

Exposición «Pradilla y la Pintura. Contexto de una obsesión»

Exposición «Pradilla y la Pintura. Contexto de una obsesión»

Casi por casualidad, de forma improvisada, he visitado la exposición «Pradilla y la Pintura. Contexto de una obsesión«, que puede verse en el Museo de Zaragoza.  Acababa de hacer una típica devolución de rebajas, decidí volver paseando por la Plaza de los Sitios, una de mis preferidas en la ciudad.  Pasé junto al museo y vi el cartel de la exposición.  Iba bien de tiempo, así que entré a verla.  ¡Os doy más detalles!

Exposición Pradilla y la Pintura Mis Palabras con Letras 1

El Museo de Zaragoza acoge una exposición temporal sobre el pintor aragonés Francisco Pradilla, con motivo del centenario de su fallecimiento. La muestra recoge las diferentes etapas del artista aragonés, desde su formación temprana en Zaragoza y Madrid, su posterior paso por Roma, su fase como director del Museo del Prado y el reconocimiento de su obra, hasta su obsesión por la reina Juana I de Castilla y sus últimos trabajos.

Exposición Pradilla y la Pintura Mis Palabras con Letras 2

Datos

Fechas de la exposición: Del 26 de mayo al 15 de septiembre de 2021.
Comisaria: Marisa Arguis Rey. Museo de Zaragoza.
Coordinadora: Ana Labaila Sancho. Museo de Zaragoza.
Entidades organizadorasGobierno de Aragón, Departamento de Educación, Cultura y Deporte, Dirección General de Cultura. Museo de Zaragoza.
Instituciones colaboradoras: Diputación Provincial de Zaragoza, Museo de Huesca, Biblioteca María Moliner (Universidad de Zaragoza), Museo Nacional del Prado, Museo Nacional del Romanticismo.

Francisco Pradilla 

Nacido un 24 de julio de 1848 en Villanueva de Gállego y fallecido en Madrid un 1 de noviembre de 1921, fue un gran pintor.  Aprendió con dos pintores decoradores en Zaragoza. En 1863 se trasladó a Madrid, donde estudió a los antiguos maestros. En 1874 fue pensionado en la primera promoción en la Academia de España en Roma.
Fue el director de la Real Academia de España en Roma, si bien por poco tiempo, pues renunció al decepcionarse por los engorrosos trámites burocráticos.  El 3 de febrero de 1896 aceptó el puesto de director del Museo del Prado, siendo sustituido dos años después por el hasta entonces subdirector, el pintor Luis Álvarez Catalá, que contaba con el apoyo institucional de la reina María Cristina.

Exposición Pradilla y la Pintura Mis Palabras con Letras 3

Contenido de la exposición «Pradilla y la Pintura. Contexto de una obsesión»

Incluye una treintena de piezas entre obra gráfica, óleo y escultura, y exhibe cuadros que ya se exponen en el Museo, como el autorretrato del propio autor realizado en 1887 o el cuadro de La reina Juana la Loca recluida en Tordesillas con su hija (depósito del Museo Nacional del Prado), pintado en 1907 y que constituye uno de sus principales ejemplos como artista.

Exposición Pradilla y la Pintura Mis Palabras con Letras 4

La exposición sobre Francisco Pradilla ofrece un recorrido por los hitos biográficos y pictóricos del artista y se estructura en tres apartados.

Exposición Pradilla y la Pintura Mis Palabras con Letras 5

Apartados 

El primero está centrado en la producción artística del autor, siendo una muestra representativa de todas sus etapas, géneros y técnicas.

Como este desnudo femenino de 1899.  Se trata de un apunte para el techo del palacio de la familia Gayo en Madrid, bajo el tema «la primavera pasa» en alusión a la fugacidad de la juventud y la belleza.  Es un dibujo que manifiesta la técnica del artista.

Exposición Pradilla y la Pintura Mis Palabras con Letras 6

En este apartado, la exposición cuenta con una selección de obras de Pradilla procedente de los fondos del Museo de Zaragoza, como Estudio de caballo para el cuadro El suspiro del moro o Doña Pilar Villanova.

Exposición Pradilla y la Pintura Mis Palabras con Letras 7

También este retrato de una joven, en el que destaca la calidad del autor como retratista, así como su maestría para captar la personalidad de la modelo.  Pradilla fue un gran retratista, pero cultivó este género en pocas ocasiones.  Pintó a personas muy cercanas, de su círculo estrecho o familiar y aceptó algunos encargos.

Exposición Pradilla y la Pintura Mis Palabras con Letras 8

El segundo apartado se aproxima a la obra de maestros, compañeros, discípulos y amigos para descubrir cómo era el ambiente artístico de la época y conocer en mayor profundidad la trayectoria vital de nuestro protagonista a través de las personas con las que se relacionó.

Por eso hay obras de otros autores como Retrato del doctor Lera, tallado en mármol por Ponciano Ponzano o el Retrato de Santiago Ramón y Cajal de Joaquín Sorolla:

Exposición Pradilla y la Pintura Mis Palabras con Letras 11

Vista de Zaragoza de Juan José Gárate y Clavero:

Exposición Pradilla y la Pintura Mis Palabras con Letras 12

El Retrato de Pradilla de Alejandro Ferrant y Fischermans de 1874.  No será la única vez que Ferrant efigie a su amigo, pues en 1889 lo pinta junto a Goya y a otros aragoneses ilustres en la obra Alegoría de Zaragoza que decora el techo del antiguo Casino Principal de Zaragoza.

Ferrant destacó en el género de la pintura decorativa.  Pradilla convivió con él como pensionados en la Academia Española de Bellas Artes en Roma, junto a Casto Plasencia.

Exposición Pradilla y la Pintura Mis Palabras con Letras 13

O La Vicaría de Mariano Fortuny y Marsal, una acuarela sobre papel hacia 1870.  En Roma, Pradilla recibió clases de Fortuny, artista a quien admiró y de quien fue deudor, hallando claras reminiscencias estilísticas en producción.

Pradilla a lo largo de su vida nunca olvidará a Fortuny, así se refleja en su documentación, en la que encontramos no pocas frases amables hacia su querido maestro.

Exposición Pradilla y la Pintura Mis Palabras con Letras 14

El tercer apartado se centra en la obsesión del pintor por la reina Juana I de Castilla a lo largo de toda su carrera y trata de aproximarnos a la figura de esta monarca.

Exposición Pradilla y la Pintura Mis Palabras con Letras 9

Obsesión por la reina Juana de Castilla 

Francisco Pradilla sintió una enorme atracción por la figura de esta reina, convirtiéndola en la protagonista de numerosas obras a lo largo de su trayectoria artística.

La primera vez que se aproximó fue en 1876 en un boceto titutado Doña Juan la Loca en los adarves del Castillo de la Mota.  Un año después volvería a ella en Doña Juana la Loca, cuadro realizado como trabajo final de su pensionado en Roma.  Con esta obra obtuvo numerosas distinciones, consagrándose como pintor de historia y alcanzando la fama nacional e internacional.

Exposición Pradilla y la Pintura Mis Palabras con Letras 10

Uno de los pasajes biográficos de la reina que mayor interés despertó en Pradilla fue su reclusión, durante cuarenta y siete años, en el palacio anejo al convento de Santa Clara en Tordesillas, junto al féretro de su esposo.  El pintor reprodujo esta temática en el lienzo Doña Juana la Loca, recluida en Tordesillas con su hija, la infanta doña Catalina.

Se conocen hasta tres bocetos del tema más cuatro versiones definitivas.

Mi opinión sobre la exposición «Pradilla y la Pintura. Contexto de una obsesión»

Como os he contado, llegué sin esperarlo a esta interesante exposición que me sorprendió y me gustó, porque me acercó a un importante pintor aragonés, Pradilla.

Siempre es un lujo perderse por las salas del Museo de Zaragoza.  Pero, es una auténtica gozada hacerlo en un día de verano, casi sin tropezarte con nadie y disfrutando de una muestra que nos permite conocer la obra de este autor, así como su curiosa obsesión por la figura de Juana la Loca.

El artista nos muestra a la reina junto a la ventana, con mirada ausente y una actitud ajena a todo lo que le rodea, incluida su hija Catalina.  En realidad, actualmente sabemos que fue una mujer con una amplia formación y gran capacidad, que renegó de la religión, siempre tuvo claro lo que quería y no dudó en oponerse a las voluntades de sus progenitores.

Llama la atención que no fue el único que sintió atracción por la reina, porque también se fijaron en ella otros artistas, historiadores, literatos y poetas de la época. Su triste historia resultaba muy sugerente para el romanticismo de la época.  La aproximación de estos artistas contribuyó a la creación del mito de su locura, cuestionado ahora.

Y todo esto queda reflejado en la exposición, por eso conviene leer toda la información que nos ofrece, con calma.

Exposición Pradilla y la Pintura Mis Palabras con Letras 15

Esta exposición es una oportunidad excelente para aproximarse a Pradilla y la pintura que desarrolló a lo largo de su trayectoria.  Realizó una magistral y extensa producción de pinturas que muestran su versatilidad para trasladar al lienzo todos los géneros. Además de sus dotes excepcionales de pintor, tenía una vastísima cultura, muy profunda en materias de arte, adquirida por propia iniciativa y particular estudio.

Además, se completa el recorrido con un audiovisual que se proyecta para ilustrar el último apartado de la muestra. En el vídeo, Francisco Pradilla narra en primera persona la inspiración que encontró en la reina y describe todos los detalle del lienzo de la reina recluida.

¿Como no os voy a recomendar la exposición sobre Pradilla y la pintura?  Sí, tenéis que ir a verla.  Esta vez os aviso con tiempo, pero no lo dejéis o terminará sin vuestra visita.  Y espero que, los que no podáis ir por distintos motivos, hayáis disfrutado de mi visita y os haya picado un poco la curiosidad sobre este gran pintor aragonés.

Por último, os animo a seguir la cuenta del Museo de Zaragoza en Instagram.  La han puesto en marcha hace poquito, pero os aseguro que merece la pena.

 

Exposición «Destacados. Colección Telefónica»

Exposición «Destacados. Colección Telefónica»

Os cuento mi reciente visita a la exposición «Destacados. Colección Telefónica», que ha podido verse en La Lonja de Zaragoza.  ¡Sí! Tengo que hablar en pasado y me da mucha rabia.  Tenía que haber ido antes para poder recomendaros a tiempo que fueseis.  Espero que, en otros lugares, podáis disfrutarla y esta información os resulte útil.

Exposición Destacados Mis Palabras con Letras 1

La exposición cuenta con una diversidad de contenido en cuanto a disciplinas y corrientes estéticas, y su variedad permite testimoniar algunos de los movimientos artísticos más significativos del siglo XX: obras surrealistas, informalismo español o figuración de la Escuela de París.

Exposición Destacados Mis Palabras con Letras 2

Datos exposición «Destacados. Colección Telefónica» 

Fecha: Desde el 3 de febrero hasta el 11 de abril de 2021.

Lugar: La Lonja de Zaragoza

Horario: Martes a sábado de 10 a 14 horas y de 17 a 21 horas. Domingos y festivos: de 10 a 14.30 horas.

Entrada: Libre, con las medidas oportunas como medición de temperatura.

Exposición Destacados Mis Palabras con Letras 3

La Colección Telefónica

La Colección de Arte de la Fundación cuenta con algunas de las manifestaciones artísticas más importantes del siglo XX e inicios del actual, con artistas españoles e internacionales, de diferentes disciplinas.

Se compone de un conjunto de más de 1.000 obras entre pintura, escultura, fotografía y obra en papel. La creación de este fondo se inicia en los años 80 con la intención de promover el reconocimiento de una serie de artistas españoles poco representados en los museos estatales del momento.

La Colección Telefónica ha sido calificada como «colección de colecciones», al poder agruparse en varios bloques temáticos y por contener artistas magníficamente bien representados tanto en cantidad como en la calidad de sus obras.

Introducción 

La exposición «Destacados. Colección Telefónica»comprende una selección de 121 piezas icónicas y significativas de la Colección Telefónica de pintura, escultura y obra en papel, incluyendo piezas de 7 relevantes artistas femeninas como María Blanchard, Elena Asins, Soledad Sevilla, Eva Lootz, Carmen Laffón, Menchu Gal y Menchu Lamas.

Exposición Destacados Mis Palabras con Letras 4

Recorrido

Las piezas reunidas para esta ocasión no siguen un estricto recorrido cronológico, pero permiten trazar una breve panorámica de algunos de los capítulos más interesantes de la historia del arte del siglo XX. Picasso, Gris, Magritte, Delvaux, Tàpies, Chillida o Saura son artistas que generan siempre interés entre las instituciones y viajan en préstamos recurrentes.

Exposición Destacados Mis Palabras con Letras 5

Contenido

La exposición se articula en cuatro ámbitos:

1.- Ecos de las vanguardias:

A través de una selección de obras adquiridas en las últimas décadas, se esbozan algunos de los movimientos más importantes de las vanguardias de principios del siglo XX, un período artístico muy intenso donde los artistas se dan cita en un París rebosante de energía creativa.

La ruptura con la tradición pictórica se materializa en el cubismo de un modo radical. Juan Gris y María Blanchard, además de amigos, son dos representantes imprescindibles de este movimiento, que se completa con la presencia de Louis Marcoussis, representante en la evolución tardía del movimiento cubista. La poderosa influencia de este nuevo estilo se siente además en otros artistas españoles que pasaron por París como Luis Fernández, Vázquez Díaz, Moreno Villa o Hernando Viñes.

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El surrealismo, otro de los grandes movimientos de las Vanguardias, está presente en la colección con dos de sus máximos exponentes: René Magritte y Paul Delvaux que, con sus enigmáticas pinturas, ilustran el interés por las teorías de Freud, el inconsciente o el lenguaje de los sueños. El paisaje orgánico y automático del chileno Roberto Matta o el personal estilo del canario Óscar Domínguez dan cuenta de los diferentes caminos de este gran movimiento cultural.

Mención especial merece la figura de Pablo Picasso. Su desbordante creatividad le llevó a inventar y transitar por numerosos estilos a lo largo de su vida. Es sin duda el artista que mejor representa el siglo XX.

«El arte no es la aplicación de un canon de belleza, sino lo que el instinto y el cerebro pueden concebir independientemente del canon» (Picasso) 
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2.- El signo y la forma:

Este ámbito está dedicado de manera monográfica a tres grandes del arte español más internacional: Tàpies, Chillida y Saura. La obra de los dos primeros fue adquirida en los años 80 y son los artistas mejor representados en la Colección Telefónica.

«En mi trabajo aparecen objetos, ropas, etcétera, con esta voluntad entre franciscana y budista de dar valor a aquello que es pequeño, sin afán de polémica.  Lo he hecho con la intención de dar dimensión cósmica a una cosa insignificante» (Antoni Tàpies)
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Tras el drama de la Segunda Guerra Mundial, el arte atraviesa un período marcado por un estado de malestar y trascendencia. El centro mundial de las artes se traslada de París a Nueva York. Tiene lugar el desarrollo de un estilo complejo y diverso denominado informalismo que se extenderá por Europa y Estados Unidos, y en el que la materia, el gesto, la ausencia de forma o lo abstracto generará numerosas e interesantes variantes.
A pesar del aislamiento franquista, su influjo llegará también a España y contará entre sus filas con autores de enorme relevancia nacional e internacional.
«El mar y Bach son mis maestros, de ellos aprendí el concepto del tiempo» (Eduardo Chillida) 
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Los tres artistas que se exponen en este ámbito ilustran algunas de las diferentes manifestaciones de este nuevo lenguaje. Antoni Tàpies es un claro referente del interés por la materialidad del cuadro, la huella del cuerpo o los materiales pobres, entre otros. Es, sin duda, uno de los grandes representantes del informalismo.
El lenguaje gestual utilizado por algunos pintores de este estilo se hace tangible en Antonio Saura y sus peculiares retratos feístas.
«El lienzo es un campo de batalla interminable» (Antonio Saura) 
Frente a ellos, el gran escultor vasco Eduardo Chillida tiene en la abstracción geométrica más pura el pilar de su obra.
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3.- Hacia otros caminos:

La selección de obras que se exhiben en este ámbito vio la luz a partir de la creación de una importante revista de pensamiento, tecnología y sociedad, la Revista Telos– que aun hoy edita Fundación Telefónica. Desde 1984 y durante más de quince años, la publicación contenía un cuadernillo central en el que se reproducían las series originales realizadas por los artistas invitados. Esta iniciativa atrajo a algunos de los autores más importantes del panorama contemporáneo español.

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Más de cuarenta artistas de diferentes generaciones, más o menos consagrados y con estilos y lenguajes totalmente diferentes, pasaron por las páginas de la Revista Telos, llegando a crear un interesante fondo de más de 400 dibujos.
La abstracción en todas sus variantes, el Pop, o la entusiasta vuelta a la pintura figurativa de los 80, permiten rastrear cómo el arte españolde hace más de cuatro décadas ha buscado nuevos caminosy experimentado un deseo constante de renovación.
Con una gran presencia femenina, Elena Asins, la recién galardonada con el Premio Velázquez 2020, Soledad Sevilla, Eva Lootz o la gallega Menchu Lamas dan testimonio de un panorama tan creativo como original.
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4.- Una figuración renovada:

En este bloque se agrupan una serie de artistas muy distintos entre sí pero que tienen en la figuración su razón de ser. Conviviendo con el arte abstracto de la mitad del siglo XX, se despliegan entornos rurales, visiones urbanas o interiores domésticos que demuestran cómo estos clásicos géneros se pueden pintar con un lenguaje moderno y renovado, en parte, heredero del arte anterior a la guerra civil.

Vázquez Díaz es una figura fundamental para comprender este momento. Ese estilo suyo tan característico, cercano al postcubismo, así como una importante labor formativa, marcó a un nutrido elenco de autores de generaciones siguientes.

La influencia vanguardista se entremezcla en ocasiones con las referencias del entorno artístico local. Es el caso de la artista Menchu Gal, cuya pintura sintetizada, de vibrante colorismo, y cercana por momentos al fauvismo, no deja de ser deudora también del arte vasco de sus colegas predecesores y de la escena artística madrileña, ciudad en la que también residió.

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A la vista está que cada uno de estos artistas desarrolla un estilo único y original. Como Godofredo Ortega Muñoz que, a pesar del aislamiento de la dictadura franquista, pudo viajar por todo el mundo y empaparse del arte internacional del momento. Sus recios paisajes extremeños o castellanos recogen el sentir de la pintura italiana y nórdica de su tiempo, a pesar de que la crítica nacional viese en su obra una marca española diferencial.

Por su parte, la sevillana Carmen Laffón consigue transmitir con su pintura un realismo muy especial, lleno de intimismo y poesía a través de unos efectos lumínicos y cromáticos muy sutiles.

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Opinión exposición «Destacados. Colección Telefónica» 

Como os he comentado al principio de esta entrada, me ha dado muchísima rabia no haber visitado antes esta exposición.  Por dos motivos.  El primero es que hubiese llegado a tiempo para recomendaros a todos los que vivís en Zaragoza que fueseis a verla, porque es (o era), sin ninguna duda, una cita imprescindible en la ciudad que hay que recorrer despacio para disfrutarla como es debido.

Y el segundo es que hubiese podido ir a verla más veces.  Cuando tenemos en nuestra mano la posibilidad de contemplar obras de esa calidad y de autores tan relevantes, no hay que perderse una sola vez por esas maravillosas paredes llenas de arte.  Hay que asomarse en más ocasiones, para descubrir más matices, más detalles.

Como contrapartida, tuve la suerte de pasear por la sala sin más público una tarde nublada de primavera.  No había filas en la entrada, no había más gente parada frente a las obras, pude recorrerla con una privilegiada tranquilidad, sin prisa, sin agobios, sin tener que ceder sitio, deteniéndome el tiempo que consideré en cada momento.  Eso compensa, en buena medida, mi despiste anterior.

***

Porque sí, la exposición «Destacados. Colección Teléfonica» hay que recorrerla con tranquilidad.  Revisando los textos explicativos que completan la muestra pero, sobre todo, deleitándote con las obras que nos vamos encontrando sin un orden cronológico.  Los nombres de los autores merecen un paso lento y calmado, observación minuciosa y contemplación desde distintos puntos de vista.

¿Qué puedo añadir a Picasso, Gris, Magritte, Delvaux, Tàpies, Chillida o Saura? ¿O a María Blanchard, Elena Asins, Soledad Sevilla, Eva Lootz, Menchu Gal, Carmen Laffón y Menchu Lamas? En escultura, con permiso de Pablo Serrano y Pablo Gargallo, me encanta Chillida.  El Peine del Viento, situado al final de la playa de Ondarreta de San Sebastián, es uno de mis lugares preferidos porque tiene magia.

Y, en esta exposición, hay escultura suya. Además, también se cuenta con dibujos del artista vasco. De él, se exhiben 7 dibujos y 3 esculturas y en otro espacio en la misma trayectoria visual, otros 9 collages, 4 dibujos, 1 cerámica y 1 litografía más. ¡Vaya regalazo un viernes por la tarde!

¿Y qué decir de las obras de gran formato de Tapiès? Siempre me han dejado con la boca abierta. ¿O de las nueve obras del oscense Antonio Saura?  En técnica mixta sobre papel son de los años 80-90 del siglo pasado, entre ellas la delicada ‘Biological software‘, de 1985.

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¿No es maravilloso, sin salir de tu ciudad y más ahora que viajar es tan complicado, poder ver obras de estos increíbles artistas?  Sí, lo es.

¿No es una delicia poder contemplarlas casi en silencio, sin tener prisa, sin que nadie entorpezca tu paso y tu necesidad de mirarlas desde distintos puntos de vista? Sí, lo es.

¿Alguien puede resistirse a entrar en un edificio tan bonito como La Lonja para encontrarse con cuadros y esculturas del máximo nivel? Nadie puede resistirse.

Solamente puedo agregar que disfruté muchísimo y que fue un rato excelente, dentro de un día inolvidable en muchos sentidos.

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Exposición «El espíritu de Montmartre en tiempos de Toulouse-Lautrec»

Exposición «El espíritu de Montmartre en tiempos de Toulouse-Lautrec»

Durante las fechas navideñas, he podido visitar una nueva exposición«El espíritu de Montmartre en tiempos de Toulouse-Lautrec», que puede verse en CaixaForum Zaragoza.

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Montmartre no solo es el escenario de muchas obras del polifacético Toulouse-Lautrec.  Es también el motor social y cultural que definió su estilo moderno y carácter bohemio.

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Datos exposición «El espíritu de Montmartre en tiempos de Toulouse-Lautrec» 

Fecha: Del 27 de noviembre de 2020 al 14 de marzo de 2021

Lugar: CaixaForum Zaragoza

Horario: De lunes a domingo, de 10.00 a 20.00 horas.

Entrada: 6 euros. Gratis para clientes Caixabank y menores de 16 años.

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Servicio de educadores

De lunes a viernes, de 10 a 13 y de 17 a 20 horas, y fines de semana y festivos, de 11 a 14 y de 17 a 20 horas, habrá un educador en la sala a disposición del público para cualquier duda o comentario sobre la exposición. Servicio gratuito incluido con la entrada.

Introducción 

A través de pinturas, dibujos, carteles e ilustraciones, la exposición “El espíritu de Montmartre en tiempos de Toulouse-Lautrec” muestra la producción del artista en sintonía con la de sus artistas contemporáneos en el París de finales del siglo XIX.

Montmartre fue el denominador común geográfico para muchos de los artistas incluidos en esta exposición.  Sus calles, los cabarets y sus cafés del barrio fueron escenario de una explosión creativa. Una corriente marcada por la bohemia y la vanguardia de la mano de jóvenes artistas e intelectuales que desafiaron a lo establecido.

París y Montmartre

En esta exposición se presenta París y, especialmente, Montmartre, como la cuna de unos movimientos artísticos que desafiaron al sistema y trataron de asimilar la complejidad de una sociedad que ya no era fácilmente definible.
La obra de naturalistas, simbolistas, incohérents, nabis y, especialmente, la de Henri de Toulouse -Lautrec nos ofrece una visión renovada de la vida y de la sociedad durante este importante período del arte moderno francés.
En 1880, Montmartre era una zona marginal y peligrosa apartada de París que empezó a atraer a numerosos jóvenes creadores. Los artistas Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Signac, Pierre Bonnard y Henri-Gabriel Ibels, los intérpretes Aristide Bruant e Yvette Guilbert, los escritores Émile Goudeau, Alphonse Allais y Alfred Jarry, y los músicos Erik Satie, Vincent Hyspa y Gustave Charpentier se mudaron allí.
Todos ellos querían vivir gastando poco, trabajar en el París bohemio y evitar el centro burgués de la capital francesa.

El primer Le Chat Noir

Las propias calles de Montmartre y el entretenimiento que se encontraba en los cabarets, los teatros, los cafés concierto y los circos eran una fuerte inspiración para los artistas. No solo asistieron a los espectáculos y participaron en ellos.  Además, empatizaron con los vagabundos o las prostitutas, y se veían a sí mismos al margen de la sociedad establecida.
A finales de 1881 Rodolphe Salis, un artista frustrado, fundó en Montmartre el cabaré Le Chat Noir, en el número 84 del bulevar Rochechouart.  Lo proclamó «cabaré artístico» e invitó a jóvenes artistas, escritores, compositores y músicos a utilizarlo como su centro de actividades.
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En Le Chat Noir, un mobiliario pseudogótico que transmitía la creciente nostalgia por la tradición de Rabelais en Francia, decoraba el establecimiento de estilo Luis XIII.  Eugéne Grasset diseñó candelabros de hierro para el interior. Adolphe Willette fue responsable del diseño del emblemático letrero exterior del cabaré, un gatito negro sobre una media luna, y de la característica pintura de grandes dimensiones Parce domine.
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Las exposiciones y los bailes incohérents se sucedieron durante trece años.  El cabaré Le Chat Noir y sus clientes habituales, en especial los incohérents, fueron los principales impulsores de la consolidación de Montmartre como centro de vida artística y literaria vanguardista en París a principios de la década de 1880.
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Los incohérents llevaron al extremos el humor absurdo y antiburgués fumiste y produjeron obras artísticas que son el preludio del dadaísmo, el surrealismo y el arte conceptual del siglo XX.  En las exposiciones incohérents abundaban obras sorprendentes que se basaban sobre todo en juegos visuales y de combinaciones de palabras e imágenes.
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El segundo Le Chat Noir 

En junio de 1885 Salis logró trasladar Le Chat Noir a una gran hotellerie de tres plantas cuidadosamente amueblada en la Rue Victor Massé.  Estaba muy cerca del antiguo, que el cantante Aristide Bruant adquirió y rebautizó como Mirliton.
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La principal aportación del segundo Le Chat Noir fue el sofisticado teatro de sombras del cabaré, creado en 1886 por el artista Henri Rivière. Lo transformó en una producción teatral sumamente elaborada y técnicamente compleja que incorporaba todos los futuros elementos del cine: movimiento, color y sonido (música y voz).
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Las obras producidas en Le Chat Noir iban desde la saga napoleónica L’Épopée (1886) hasta el más puro humor fumiste de Le Fils de l’eunuque (1888) de Henry Somm, pasando por la mezcla de realismo y fantasía que encontramos en La Tentation de Saint Antoine de Riviére o la seriedad de la obra religiosa simbolista La Marche a l’ètoile (1890), de Rivièrey Georges Fragerolle.
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Las elaboradas producciones de Riviére requerían la participación de doce mecánicos y de muchos de sus amigos y colegas como guionistas, cantantes, músicos y ayudantes técnicos.
El cabaré Les Quat’z’Arts, en número 62 del bulevar de Clichy, abrió sus puertas en diciembre de 1893, siguió funcionando ya entrado el siglo XX y expandió el dinamismo del cabaret artistique iniciado por Le Chat Noir inventando espectáculos de revista y actuaciones de cabaré, además de los desfiles callejeros de la Vache enragée, conocidos como Vachalcades, de 1896 y 1807.
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El arte periodístico y la vanguardia

La invención en 1875 por parte del grabador Charles Gillot de un sistema para imprimir, con una prensa tipográfica, ilustraciones fotomecánicas en blanco y negro basadas en dibujos lineales revolucionó la industria editorial.
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De hecho, el dibujo fue esencial para la implicación de los artistas en la nueva tecnología de impresión.  Así, la función del dibujo cambió radicalmente durante esa época.  Dejó de ser en esencia un paso preparatorio para la pintura y se convirtió en un medio, independiente de aquella, para plasmar directa y mecánicamente la estética de los artistas en el soporte impreso que sería el producto final.
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Estos artistas enfatizaban la sencillez de los diseños lineales y planos y restaban importancia al realismo, con sus imprescindibles efectos de ilusión y tonalidad. En esencia, la nueva tecnología fue una fuerza liberadora que potenció las tendencias modernas en el arte, al tiempo que permitió a los artistas seguir ejerciendo el pleno control estético.
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Cuando Picasso, Duchamp, F. Kupla y otros futuros pintores vanguardistas del siglo XX llegaron a París en torno a 1900, ya tenían conocimiento e influencias del estilo y los temas del arte periodístico de artistas como Steinlen, Willette, Henri de Toulouse-Lautrec e Ibels.  Las bailarinas de cancán de Picasso para Le Frou Frou se inspiran en la obra de Toulouse-Lautrec, por ejemplo.
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Cafés, Cafés concierto y salas de baile

El origen del café parisino como lugar público para el consumo de bebidas se remonta a principios del siglo XVII.  Durante el primer cuarto del XIX los cafés serían también centros de reunión de pequeños grupos de poetas y artistas.
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Con la transformación de París, por parte del barón Haussmann durante el reinado de Napoleón III, en las décadas de 1850 y 1860, los cafés concierto irrumpieron plenamente como estructuras elaboradas, con un escenario para los actores y una sala (o un jardín en verano) con un aforo de entre 500 y 1500 espectadores.
En ellos actuaron gran variedad de cantantes y actores, como Arístide Bruant, Yvette Guilbert y Loïe Fuller.
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Las salas de baile parisinas atendían a una clientela muy diversa.  Así, el Bal Bullier, en la orilla izquierda, atraía a los estudiantes.  El Moulin Rouge, al igual que la sala de baile L’Elysée-Montmartre, más antigua y situada dos puertas más abajo que Le Chat Noir original, y el futuro Casino de París (1891), en el número 15 de la Rue de Clichy, acogían a una clientela exclusiva y promovían un cierto grado de desinhibición sexual.
En el Moulin de la Gallette, frecuentado por la clase trabajadora pobre e inculta, cada baile costaba ochenta céntimos por pareja. En cambio, el Moulin Rouge cobraba a cada cliente, fuera hombre o mujer, una carísima entrada de entre dos y tres francos solo por ver los impetuosos bailes de cancán o chahut.
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Teatro y espectáculos

En la primavera de 1887 André Antoine fundó el Théatre Librecon sede en Montmartre, en el número 96 de la Rue Blanche. Este teatro experimental produjo unas obras naturalistas basadas en novelas de Zola, Paul Alexis, los hermanos Goncourt y otros autores.
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A lo largo de su existencia, este tipo de teatros encargaron a muchos de los artistas locales de Montmartre ilustraciones.  Ilustraciones para las portadas de sus programas y, como a Tolouse-Lautrec y Valtat, el diseño de decorados.  De hecho, el entorno colaborativo y experimental del cabaré Le Chat Noir se potenció y reavivó con la existencia de esos teatros.
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El circo 

En el último cuarto del siglo XIX, el circo alcanzó un alto grado de aceptación social y profesional entre las comunidades artística y literaria.
Existía una gran afinidad entre los jóvenes artistas radicales y los actores a quienes dibujaban. El circo es teatro, es drama, es humor y también un espectáculo de destreza física. Lleva las capacidades al límite de lo sobrehumano y hace posible lo que normalmente se considera imposible.
Fueron estas cualidades las que impulsaron también a artistas como Toulouse-Lautrec, Bonnard, Ibels y Joseph Faverot, entre otros, a incluir el circo en su repertorio pictórico.
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La representación de la mujer 

Más allá del interés por dibujar prostitutas, la representación de la mujer por parte de los artistas de Montmartre va desde los retratos realistas y meditativos en entornos pastorales o interiores domésticos hasta la fantasía y el idealismo simbolistas. Y del desnudo austero al exótico. Todo ello en contraposición a la arraigada definición académica de la belleza y la modestia clásicas.

Opinión exposición «El espíritu de Montmartre en tiempos de Toulouse-Lautrec» 

Sinceramente, tenéis que visitar esta exposición sí o sí.  No hay excusas, es una cita imprescindible ahora mismo en Zaragoza.  Ahora que no se puede viajar, vas a desplazarte durante un rato a París, y en concreto, a Montmartre.  Por un momento, vas a disfrutar del espíritu de ese barrio bohemio y vas a sentirte parte de un grupo de interesantes artistas.

Sí, es verdad, siempre me ha gustado Toulouse-Lautrec y su obra, pero además en esta muestra, he podido conocer mucho mejor el ambiente que le rodeaba y las expresiones artísticas que hicieron tan especial esa etapa del arte francés.

De hecho, ahora tengo pendiente de ver una recomendación que me han hecho sobre este magnífico artista, marcado por un accidente en su infancia.  En concreto, la película “Moulin Rouge”  de 1952, dirigida por John Huston y protagonizada por José Ferrer y Zsa Zsa Gabor.  Habrá que sacar un ratito como sea.

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La exposición «El espíritu de Montmartre en tiempos de Toulouse-Lautrec» hay que recorrerla con tranquilidad.  Además, las distintas partes en las que se divide están perfectamente delimitadas, incluso las salas tienen diferentes colores para diferenciarlas sin dificultad.  Cada tema cuenta con un texto explicativo que sirve de contexto y da las pautas para entender de forma más clara el contenido.

Las obras son de gran valor y consiguen trasladarte a ese barrio parisino que siempre ha sido considerado bohemio y sede de todo tipo de expresiones artísticas.  Es también una muestra muy completa, ya que, junto a las obras (más de trescientas con préstamos internacionales de colecciones públicas y privadas), podemos escuchar música de la época o sentirnos por un momento dentro de un cabaré.

Disfruté muchísimo conociendo más cosas sobre el teatro de sombras, viendo todo el montaje que era necesario y las placas que utilizaban llamaron mi atención desde el principio por su bella factura.  Me reí con algunos títulos de los incohérents porque eran realmente ingeniosos y me sorprendieron calificándose de hidropáticos o representando escenas eróticas de personajes famosos de la época.

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Agradecí bastante las explicaciones que nos dio un educador durante la visita, porque nos facilitó más datos sobre aquello en lo que nos deteníamos o comentábamos, nos hizo fijarnos en pormenores que eran relevantes y respondió a algunas de nuestras dudas.  Respetando siempre nuestros tiempos, acertó con sus pinceladas sobre la influencia oriental o sobre la evolución de la firma de Toulouse-Lautrec.

Hubo un pequeño detalle que no me gustó.  Tras atravesar el cortinaje de entrada, te encuentras con una puerta de emergencia de frente.  Tal vez otra orientación hubiese resultado más apropiada para una primera impresión, aunque entiendo que es probable que no pudiese hacerse de otro modo.

En cualquier caso, sí, tenéis que ir a ver la exposición «El espíritu de Montmartre en tiempos de Toulouse-Lautrec».  No os podéis perder esta interesante cita cultural.  Y os recomiendo que lo hagáis con calma, atentos a toda la información y saboreando cada imagen (pinturas, dibujos, carteles e ilustraciones) y cada texto.