Exposición «XIX. El siglo del retrato»

Exposición «XIX. El siglo del retrato»

Terminando el primer mes del año (que ha pasado como un suspiro), os cuento que visité la exposición «XIX. El siglo del retrato». Con el subtítulo: «Colecciones del Museo del Prado. De la Ilustración a la modernidad» en CaixaForum Zaragoza.

El siglo XIX consolidó el retrato como una de las fuentes más prolíficas para la representación del cambio social. La exposición presenta un conjunto inédito del fenómeno retratista en el preámbulo de la modernidad.

Datos

Fechas de la exposición: Del 21 de septiembre de 2023 al 21 de enero de 2024.

Lugar:  CaixaForum Zaragoza.

Horario: De lunes a domingo y festivos, de 10 a 20 horas.

 

Objetivo de la exposición «XIX. El siglo del retrato»

Como os he comentado, en el siglo XIX el retrato fue un género en auge, especialmente por el crecimiento de las clases burguesas. Al mismo tiempo, la aproximación de las artes al realismo llevó a representar las efigies con un naturalismo cada vez mayor. Sin embargo, no dejan de verse algunas convenciones que, incluso en la fotografía, denotan la utilización de procedimientos y códigos que esta exposición permite identificar e interpretar.

Es la primera muestra que se organiza en España dedicada monográficamente al retrato en el siglo XIX en todas sus manifestaciones y técnicas: pintura, escultura, medallística, miniatura, acuarela, dibujo, aguafuerte, litografía y fotografía. Esto es posible gracias a la riqueza y variedad de las colecciones del Museo Nacional del Prado.

 

Ámbitos

La exposición, que se divide en ocho ámbitos, ahonda en la transformación de la imagen pública de las personas durante el siglo XIX.  Y ofrece a los visitantes la posibilidad de adentrarse, a través de un género de importancia capital en la pintura española, en la época que vio nacer las estructuras económicas y sociales que han configurado nuestra contemporaneidad.

 

Recorridos

Entendiendo el pasado y, por lo tanto, la colección de retratos del Museo Nacional del Prado, como una fuente desde la que interrogarnos sobre nuestro tiempo, se proponen distintos recorridos.  Estos recorridos  surgen de las obras reunidas y de los diálogos que se establecen entre ellas. Así, los visitantes pueden seguir tres itinerarios distintos, con audioguías descargables a través de códigos QR.  Estos itinerarios realizan tres lecturas diferentes del recorrido: las técnicas artísticas, la sociedad del siglo XIX y la indumentaria.

 

Ámbito I.  La imagen del poder

Desde su mismo nacimiento el retrato estuvo asociado a personajes dotados de un poder económico, social o político que deseaban mostrar y perpetuar. En el siglo XIX, tras la Revolución francesa, se produjo una debilidad cada vez mayor de la monarquía. Esto es patente en la paulatina pérdida de importancia del retrato real, aunque mantuvo las dimensiones y el carácter imponente de los siglos anteriores. De ahí que este subgénero se represente en la exposición a través de la medallística.  En ella es posible apreciar la secuencia completa de monarcas españoles desde Carlos IV hasta Alfonso XIII.

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Otras personas de poder se hicieron retratar, como es el caso de Jovellanos, que encargó diferentes efigies suyas a lo largo de su trayectoria, entre las que destaca la segunda de las que le hizo Goya.

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Pero fue sobre todo el Estado el que comenzó a formar galerías de retratos: junto a la más destacada, la de presidentes del Congreso, que encarnaba la legitimidad del poder de la nación a través de las Cortes electas, tuvieron importancia las de los ministerios.

El empeño en representar a los sucesivos titulares de estos en una secuencia completa configuró las distintas iconotecas ministeriales, de las que algunos ejemplos están en el Museo del Prado.

 

Ámbito II.  El descubrimiento de la infancia

A partir de la Ilustración y, sobre todo, con la influencia ejercida por Jean-Jacques Rousseau, se fue abriendo paso una nueva mirada sobre la infancia. En lugar de concebir a los niños únicamente como futuros adultos, que solo como tales adquirirían verdadero valor, se estimó que eran importantes en sí mismos.

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Aún más, a partir principalmente del Romanticismo, la infancia comenzó a verse como una etapa privilegiada en la vida de las personas.  Una etapa en la que brillaban las virtudes de la espontaneidad, la gracia y la inocencia.  Virtudes que, la influencia negativa del mundo y sus costumbres, hacían desaparecer en la edad adulta.

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Por ello, no solo se multiplicaron los retratos infantiles, sino que se abordaron de un modo nuevo que ponía de relieve, precisamente, esas cualidades. Durante el Romanticismo fueron habituales los fondos de parques y jardines para expresar su vinculación con la naturaleza.

El avance de la pintura hacia el naturalismo permitió que los niños aparecieran con mayor libertad y movimiento en los retratos del último tercio del siglo. Por otra parte, varios ejemplos, desde el Romanticismo hasta el comienzo del siglo XX, muestran el deseo de los clientes de retratar a sus hijos.  Estos retratos se inspiraban en imágenes de la pintura del Siglo de Oro, particularmente de Velázquez, modelo, al mismo tiempo, de nobleza y naturalidad.

 

Ámbito II.  Identidades I 

El retrato femenino evidencia el rango social de los efigiados a través, sobre todo, de dos elementos: la indumentaria y la joyería. Tiene interés advertir, junto al retrato aristocrático y al retrato burgués, el de mujeres convertidas en modelos por los artistas por el atractivo o la peculiaridad de su imagen.

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Es el caso de las ciociare, campesinas de Italia, o el de las populares manolas y majas de España.  En ellas, en su gracia y pintoresquismo -a veces idealizados pero en otras ocasiones de marcado carácter sensual– radica el interés de los pintores.

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Además, como consecuencia de la curiosidad por las etnias y los países entonces considerados exóticos, fueron frecuentes las imágenes de los pueblos gitano, marroquí y filipino.

En muchos casos aparece la fascinación de la mirada del artista y del espectador por la otredad, lo ajeno a la propia civilización y cultura. Esta fascinación llega al punto de que, en diferentes ocasiones, las clases burguesas se hacen retratar con la indumentaria popular italiana, con el traje de majo andaluz o como tipos árabes.

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En 1859, la difusión de la «tarjeta de visita» (retrato fotográfico de pequeño tamaño) puso al alcance de las clases medias la posibilidad de encargar y poseer imágenes propias, de familiares y amigos.

Justo después, el retrato femenino altoburgués adquirió un nuevo auge, para singularizarse socialmente. Se prodigaron así los retratos de cuerpo entero y de gran aparato, con trajes muy ricos en un ambiente de ostentación.

 

Ámbito II.  Identidades II

En el siglo XIX surgió la moderna figura del hombre burgués. Frente a la complicada indumentaria de los siglos anteriores, apareció un traje mucho más sencillo y austero, con pantalones, chaqueta o levita y sombrero que, con las variaciones de la moda, llegará hasta la actualidad. Con él, aristócratas y grandes burgueses resultaban indiscernibles. La severidad del aspecto masculino, asociada a la racionalidad económica unida al capitalismo, llevó a los artistas a concentrarse en el efecto de la expresión y el carácter.

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Junto a estos retratos hacen su aparición otros de marcado pintoresquismo, fruto del interés por lo particular y también por los valores específicos del pueblo propio del periodo romántico. No se trata solo de representaciones de tipos populares.  Sino de verdaderos retratos abordados por la pintura y la fotografía que darán cuenta de individuos concretos de las distintas regiones españolas, entre las que destacó Andalucía; de las colonias, como Filipinas, y de personajes representativos de un imaginario exótico pero real, como los marroquíes.

El retrato de grupo familiar no había sido frecuente, pero sí importante, en la pintura española, especialmente en los cuadros encargados por la monarquía. En el siglo XIX se extendió a las clases burguesas. En él solían aparecer reunidas las diferentes edades, lo que expresaba la continuidad y proyección del núcleo familiar.

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Además, aparecen los retratos de grupo de profesionales, con mayor frecuencia en la fotografía que en la pintura. En aquella son usuales los de trabajadores en fábricas y comercios. Todo ello pone de manifiesto la importancia de los colectivos sociales, especialmente en la segunda mitad del siglo, periodo en el que los trabajadores tomaron conciencia de su capacidad para realizar reivindicaciones y transformar su entorno.

 

Ámbito III.  La imagen de la muerte 

El retrato yacente, junto con las mascarillas funerarias en cera (en las que se sitúa el origen histórico del retrato, en la Roma antigua) de los personajes famosos, tuvieron una gran fortuna en el siglo XIX. Esto se debía al culto al genio que se desarrolló sobre todo a partir del Romanticismo.  Pero también al interés en conservar, como elocuente documento material, las facciones de una personalidad concreta mediante un procedimiento de trasposición fiel.

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El retrato funerario partió en esta centuria de los modelos del Siglo de Oro. Se trataba de fijar con veracidad los rasgos de la persona fallecida, para lo que el dibujo, tomado del natural en unos minutos, era un auxilio inmediato y precioso.

La fotografía proporcionó, a su vez, la posibilidad de fijar una imagen precisa. Como el dibujo, la pintura interpretó en mayor medida el carácter y, a través de la indumentaria, la condición del fallecido.

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Muy elocuentes son, por la proximidad afectiva que denotan, los retratos yacentes de los deudos de los artistas. Un papel especial lo tienen las imágenes de niños difuntos, registradas en todas las artes. La importancia de la imagen mortuoria, expresiva del término y, en cierto modo, del carácter de toda la trayectoria de la persona fallecida, se mantuvo a lo largo del siglo, que vio extenderse también a las clases burguesas los monumentos funerarios.

 

Ámbito IV.  Retratos y autorretratos de artistas 

Una de las consecuencias de la creciente importancia del arte a partir de la Ilustración fue la conciencia de los pintores y escultores acerca de su propia valía y, en el caso de los más dotados, de la excepcionalidad de su papel en la sociedad. Por eso se multiplicaron los autorretratos, algunos con destino a las galerías de artistas de las Academias. Estas se habían fundado de acuerdo con el pensamiento ilustrado. Según este, los artistas se convertían, de artesanos agrupados en gremios, en profesionales liberales que pasaban a ser miembros de la nueva clase social burguesa.

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Con el Romanticismo, el autorretrato se convirtió en un instrumento de indagación acerca de la propia psique del artista, fruto de un sentimiento de exaltada subjetividad, inaugurando una tradición representativa que llega hasta nuestros días.

Junto a ello, la efusión amistosa con los compañeros de formación, consolidada en las vivencias compartidas en el extranjero, como fue el caso de los pensionados en Roma, llevó a la proliferación de retratos de otros artistas. De pequeño tamaño, formato de busto y fondo por lo común neutro, se fijan ante todo en las facciones y el carácter del representado, muestran una gran naturalidad y evidencian la simpatía y la estima recíprocas.

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Dado que son obras para colegas en el ejercicio del arte y, por ello, buenos conocedores, suelen tener una calidad alta. El Museo de Arte Moderno, fundido en 1971 con el Museo del Prado, propició la formación de una galería de retratos de artistas que no llegó a exponerse como tal.

 

Ámbito V.  Effigies amicorum.  Imágenes de escritores, músicos y actores 

En la clasificación de Hegel, la pintura, la literatura y la música, que destacaron especialmente en el Romanticismo, se consideraban las artes modernas por excelencia. Las tres convergieron en numerosas ocasiones a lo largo del siglo XIX.

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La proximidad de los artistas con los escritores y los músicos se tradujo no solo en colaboraciones como la ilustración de textos y la realización de escenografías de obras teatrales y óperas, sino también en la aparición de una amplia serie de retratos de cultivadores destacados de aquellas artes, así como de intérpretes teatrales y musicales.

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Su origen está, como en el caso de los retratos de pintores y escultores, en las frecuentes relaciones de amistad surgidas entre ellos y en la exaltación de una comunidad de ideales artísticos.  Relaciones estimuladas en instituciones como los Liceos artísticos y literarios, los Ateneos, las Academias y, de modo más informal, en cafés o en tertulias en casas de aficionados.

Estas aproximaciones, que prefiguran las que en el siglo XX serían frecuentes en las vanguardias, muestran una afinidad entre las artes. La dificultad de obtener un completo reconocimiento por parte de la sociedad, y la conciencia de la valía propia y de sus amigos, hicieron más estrecha la amistad entre los creadores. Esto favoreció el cultivo de esta clase de retratos que, como los de artistas, tienen esa misma sencillez y naturalidad, salvo en el caso de que se dediquen a figuras ya triunfantes.

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Tienen su correlato en el ámbito literario en el auge de la novela de artista y, en el musical, en algunos argumentos de óperas y poemas sinfónicos inspirados en el mundo de la pintura.

 

Ámbito VI.  El artista en su estudio 

En el siglo XIX, la atención objetiva a todos los elementos de la vida cotidiana, junto con la particular reflexión del artista sobre su entorno inmediato y las circunstancias de su propia práctica pictórica, propiciaron el gusto por la representación de los ambientes de trabajo, es decir, de los estudios.

En esas obras era frecuente la inclusión de algunas referencias, históricas o contemporáneas, que el artista consideraba valiosas para la filiación de su pintura. Por ello era común la representación, junto a las propias obras del pintor, de las de otros artistas apreciados por él, del pasado o del presente, de copias realizadas por el propio autor o de imágenes grabadas o fotografiadas.

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La presencia del cuadro dentro del cuadro denota, junto con el deseo de mostrar la nobleza del propio arte del pintor, una autorreflexión, característica de la modernidad.

Junto a ello, la presencia de los instrumentos de trabajo –pinceles, frascos o tubos de colores, paletas, lienzos, tientos, caballetes, espejos, espátulas, cinceles, escoplos, modelos en yeso o del natural, estampas y bocetos– es del mayor interés para comprender los aspectos materiales de la práctica de los artistas.

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También es significativo el modo de representarse el pintor, acompañado a veces de algunos amigos que observan su obra, pero con mucha más frecuencia solo en su atelier, enfrentado a sí mismo en su propio espacio de trabajo. El concepto mismo de estudio sufrió una radical trasformación en el último cuarto del siglo cuando el ejemplo de Mariano Fortuny, destacado coleccionista, se extendió entre los artistas, que se complacieron en rodearse de objetos de gran belleza que a menudo introducían en sus cuadros.

Con la difusión de la fotografía se hicieron frecuentes las imágenes de los interiores de estudios, muchas veces encargadas por el propio artista para difundir no solo sus obras sino su espacio de trabajo, exponente de su personalidad.

 

Mi opinión sobre la exposición «XIX. El siglo del retrato»

Casi no llego a visitar esta exposición y hubiese sido una pena perdérmela.  Fui el último día, pero dediqué un buen rato de una mañana bastante a fría a transitar con calma los distintos ámbitos de la exposición, dedicada al auge que vivió el retrato en el siglo XIX en todas sus manifestaciones artísticas.

Así que pude disfrutar, en el último momento, de las 156 piezas expuestas y que procedían de los fondos de la pinacoteca nacional.  Había obras de Goya, Madrazo, Rosales, Martí Alsina, Pinazo, Sorolla, Benlliure y Masriera, entre otros. Y pude descubrir con la muestra ahonda en la transformación de la imagen pública de las personas durante el siglo de referencia.

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Lo cierto es que esta propuesta ofrece a los visitantes la posibilidad de adentrarse, a través de un género de importancia capital en la pintura española, en la época que vio nacer las estructuras económicas y sociales que han configurado nuestra contemporaneidad.  Suena interesante ¿no?

En pintura, el retrato es el género predilecto de la escuela española.  Y, en el siglo XIX, este género experimenta un auge.  Os cuento una curiosidad, de los 2.700 cuadros que conserva el Prado del siglo XIX, 700 son retratos, ¿no es increíble?

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También quiero destacar que, la directora del Área de Exposiciones y Colección de la Fundación ‘la Caixa’, Isabel Salgado, durante la inauguración de la exposición en Zaragoza explicó que esta exposición ha supuesto una puesta en valor de patrimonio enorme.  La razón es que ha habido restauraciones de grandes obras, como algunas que estaban en los almacenes.  Y estaban guardadas, no porque no fueran importantes, sino porque necesitaban una labor de restauración y de investigación.

El coordinador general de Conservación del Museo del Prado, Víctor Cageao, ha destacado que la muestra ha contado con cuatro rasgos característicos.  Uno: la extraordinaria relación de autorías.  Dos: la variedad de temáticas.  Tres: la variedad de técnicas.  Y cuatro: las distintas lecturas transversales en las que han trabajado desde La Caixa para poder entender la evolución del retrato desde muchas perspectivas.

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En palabras del comisario, Javier Barón:

“El objetivo es explicar las transformaciones importantes en el siglo XIX, fundador de la modernidad porque, tras la revolución industrial, se constituye el modo de producción capitalista, acumulando beneficios sin parar y favoreciendo otro tipo de organización de la sociedad que es, con cierta evolución, lo que estamos viviendo hoy”
«En cada una de las salas se puede ver el discurso cronológico que parte del neoclasicismo, es decir, el movimiento estilístico fundacional del siglo XIX, con raíz en la Ilustración de finales del XVIII y llega hasta el naturalismo luminoso propio de siglo”
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El recorrido nos permite contemplartres lienzos de Goya: ‘Fernando VII en un campamento’ (1815), ‘Luis de Borbón, príncipe de Parma y rey de Etruria’ –el estudio que el pintor aragonés realizó del infante para abordar posteriormente el retrato completo de ‘La familia de Carlos IV’–, y el óleo titulado ‘El actor Isidoro Máiquez’ (1807).  Solamente esto ya merece una visita.

Además, el genio de Fuendetodos está presente en la exposición a través de las obras de otros artistas. Por ejemplo, se expone el busto en bronce de Goya que realizó en 1911 el escultor Mariano Benlliure (y que sirvió de modelo para el premio de la Academia del Cine), así como un aguafuerte elaborado por Bartolomé Maura y Montaner de un dibujo de Goya.

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Los distintos ámbitos en lo que se divide la exposición, se organizan en orden cronológico.  De este modo, cuando paseas por las salas puedes ir comprobando:

  • Cómo el poder decidió representarse «para perpetuarse».
  • Cómo la representación de los niños tuvo especial relevancia a partir de la Ilustración y el Romanticismo.
  • O cómo la muerte se abordaba en el siglo XIX de una forma más natural y con menos tabúes que ahora (debo reconocer en este punto que yo me detuve poco en esta sala, fui bastante ligerita).

Para ir terminando, otra curiosidad.  El recorrido se inicia con un grabado, una de las técnicas artísticas más antiguas.  Y finaliza con una fotografía estereoscópica, que llegó en el siglo XX

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Si tenéis oportunidad (en otras ciudades, claro está), os recomiendo que visitéis la exposición «XIX. El siglo del retrato».  Sobre todo, porque es la primera exposición del retrato que se hace en España en todas las técnicas: pintura, escultura, medallística, miniatura, dibujo, litografía, agua fuerte y fotografía.  Esta suma da una visión global al espectador.

Aunque ya no podéis verla en Zaragoza, espero que esta entrada os permita acercaros al contenido de esta interesante muestra.  Ese día tuve la ocasión de visitar otra, os la cuento muy pronto.

 

Exposición «Maestras»

Exposición «Maestras»

En plena cuesta de enero, os cuento que, en diciembre, visité la Exposición «Maestras» en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid.

Tenía muchísimas ganas de disfrutar de esta muestra, porque había visto en prensa varias noticias.  Así que organicé una escapadita a la capital para, entre otras cosas, verla y pasear un poco por la iluminación navideña.

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Datos

Fechas de la exposición: Del 31 de octubre de 2023 al 4 de febrero de 2024.

Lugar: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza; Paseo del Prado, 8; Madrid.  Sala de exposiciones temporales, planta baja.

Horario: De martes a domingo, de 10.00 a 19.00 horas.  Los sábados la exposición permanecerá abierta hasta las 21.00 horas.  Lunes cerrado.  Cerrado los días 25 de diciembre de 2023 y 1 de enero de 2024.  El desalojo de las salas de exposición tendrá lugar cinco minutos antes de cierre.

Entrada única: Válida para visitar, en el mismo día, todo el Museo, incluidas las exposiciones temporales del momento.

 

Objetivo de la exposición «Maestras»

En el cartel de presentación de la exposición, escrito por Rocío de la Villa, nos explican al llegar que, en contestación al borrado histórico, «Maestras» presenta por primera vez en España un recorrido por la contribución de artistas mujeres a la historia del arte desde finales del siglo XVI a las primeras décadas del siglo XX.

Es una exposición de mujeres que representan a mujeres y sus intereses.  Mujeres cultas, cosmopolitas y comprometidas que recibieron los más altos reconocimientos simbólicos, teóricos y materiales, como modelos de talento, profesionalidad e independencia.

 

Temas

A través de ocho temas relevantes en el camino de las mujeres hacia la emancipación, en este relato se combina la historia del arte con la historia de las ideas y se exploran aspectos estéticos, sociales y políticos.

La conjunción entre periodos históricos, géneros artísticos, estilos y temas es la trama sobre la que se vertebra esta muestra, y se pone de manifiesto cómo estas artistas abordaron cuestiones candentes en su época, tomaron posición y aportaron nuevas iconografías y miradas alternativas.

Inspirada en la noción actual de la sororidad, la exposición destaca lugares y periodos en los que coinciden las artistas, mecenas y galeristas que comparten valores y son conscientes de iniciar nuevas tradiciones.

En ocasiones, supieron sacar provecho de condiciones socioculturales y teóricas favorables y excepcionales en el sistema patriarcal.  En determinados momentos, contaron también con el respaldo y apoyo de sus maestros, colegas, maridos, hermanos, coleccionistas o marchantes.  Pero incluso en los periodos más adversos, se opusieron a la misoginia y a las normas establecidas para ellas.

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Sororidad I.  La causa delle donne

En el siglo XVII, en Italia, en plena Contrarreforma y en paralelo a los escritos de las autoras de la querella de las mujeres, como Modesta dal Pozzo (Il merito delle donne) y Arcangela Tarabotti (Tiranía paterna), artistas respaldadas por mecenas representan en pinturas de historia figuras mitológicas, heroínas bíblicas y personajes históricos como Judit, Yael, Susana y Porcia.

A través de ellas evidencian el silencio impuesto y su exclusión por el discurso patriarcal, que degrada a estas heroínas en historias tergiversadas y pinturas eróticas ofensivas. Lavinia Fontana y Fede Galizia, Artemisia Gentileschi y Elisabetta Sirani conforman tres generaciones de artistas que triunfan con sus versiones castas e inauguran así una tradición alternativa.

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Botánicas, conocedoras de maravillas 

Durante la época racionalista, cuando se produce la escisión del hombre y la naturaleza tras la revolución científica y el inicio del colonialismo, comienza un periodo de esplendor artístico para las pioneras del bodegón y de la ilustración botánica, quienes fueron apoyadas por mecenas mujeres; precisamente en el momento en que empezaron a ser expulsadas del conocimiento ancestral de las plantas y sus beneficios, cuando se persigue a las denominadas brujas.

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Son pintoras e ilustradoras formadas junto a científicos que empiezan a utilizar el microscopio, e interesadas por la entomología, como Fede Galizia y Giovanna Garzoni en Italia y las hermanas Rachel y Anna Ruysch en Holanda, para quienes la vida ejerce poder de fascinación a cualquier escala y la representan de manera holística, como un ecosistema donde habitan mariposas, moscas y otras pequeñas criaturas, refutando el simbolismo religioso de la naturaleza muerta como vanitas.

En torno a la mecenas Agnes Block en su jardín en Vijverhof, al suroeste de Ámsterdam, se reúnen las principales artistas botánicas: Maria Moninckx, Maria Sibylla Merian y su hija Johanna Helena Herolt.

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Ilustradas y académicas

La Ilustración es el tiempo del despertar de las mujeres como ciudadanas en la historia feminista. Ya antes de la caída del absolutismo en Francia, reinas, nobles y salonnières respaldan a las artistas, erigiéndolas como académicas.

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Pintoras como Élisabeth Vigée-Le Brun, Adélaïde Labille-Guiard, Angelica Kauffmann, y escultoras como Marie-Anne Collot y Anne Seymour Damer, destacan en el género del retrato, expresión de la afirmación del sujeto y de la individualidad en el origen de la Modernidad.

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Todas representan a mujeres cultas que buscan su identidad en escenarios teatralizados, como las ruinas arqueológicas al pie del Vesubio de Lady Hamilton.

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Orientalismo/costumbrismo

En pleno periodo colonial, las artistas emprenden viajes y observan con respeto a los no occidentales, en oposición a la sexualización degradante de sus modelos por parte de sus colegas masculinos orientalistas.

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De camino al norte de África, la cultura española ejerce especial fascinación por su exotismo. A partir de las escenas del paso de los Pirineos realizadas por Rosa Bonheur, pastores, gitanas y campesinos habituales en la pintura costumbrista española serán reinterpretados en clave orientalista en París.

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Pero a diferencia de los artistas, pintoras como Henriette Browne y Alejandrina Gessler pueden entrar en los harenes, deshaciendo los tópicos eróticos asentados en los salones parisinos.

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Trabajos, cuidados

Frente al icono de la campesina o la planchadora solitaria de los pintores, durante el siglo XIX las artistas representan grupos de mujeres trabajando en el campo como Alice Havers y Eloísa Garnelo, o durante su jornada laboral en la ciudad, como «Las lavanderas» de Marie Petiet.

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Cuando las propias artistas luchan por su inserción en el sistema artístico, su repertorio abarca desde las mujeres en el papel de amas de casa de Lluïsa Vidal y las cuidadoras de enfermos de Henriette Browne, hasta otras escenas en las que ellas desempeñan oficios diversos, como las pescadoras de Victoria Malinowska. En la ciudad moderna las mujeres reclaman sus espacios, también como consumidoras en los grandes almacenes, como refleja Elizabeth Sparhawk-Jones.

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Nuevas maternidades

La maternidad es uno de los temas más antiguos de la historia del arte. En el siglo XIX, surge el arquetipo de la mujer como “ángel del hogar” para frenar su emancipación, tema al que se oponen pintoras y escultoras de diferentes generaciones, estados civiles y estilos artísticos, innovando e invirtiendo los viejos modelos.

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Frente a la mistificación de la maternidad y la abnegación de la madre ante el hijo varón, las pintoras Mary Cassatt, Elizabeth Nourse, Paula Modersohn-Becker y Tamara de Lempicka crean nuevas iconografías que muestran con ternura la dependencia absoluta del bebé. Pero también los tediosos cuidados, las cargas domésticas, en definitiva, la dureza anímica y material de la crianza son reflejados por Suzanne Valadon, las finlandesas Helene Schjerfbeck y Elin Danielson-Gambogi, la danesa Anna Ancher y la sevillana María Luisa Puiggener.

Incluso aparece la madre como una protectora animal, conectada con la madre tierra, como la representa Käthe Kollwitz en su espléndida escultura «Madre con dos niños».

 

Sororidad II.  Complicidades

¿Qué piensan? ¿De qué hablan? ¿Qué comparten las jóvenes burguesas cuando están juntas?.

Las impresionistas Berthe Morisot, Marie Bracquemond, Louise Breslau y Cecilia Beaux crean nuevas iconografías de la complicidad, la confianza y la amistad entre mujeres, expresada en clave melancólica por la escultora simbolista Marie Cazin. Un mundo privado al margen de la mirada masculina en el que germina el anhelo de libertad.

 

Emancipadas

En el siglo XX, al hilo del logro sucesivo del sufragio femenino en los países occidentales, las artistas vanguardistas tejen redes y siguen mostrando la sororidad con nuevos lenguajes artísticos. «En el palco» de Helene Funke, con guiño a Mary Cassatt, confirma la consciencia de una tradición artística femenina, que continúa mostrando la sororidad en versiones de Jacqueline Marval, Camille Claudel, Marie Laurencin, María Blanchard y Natalia Goncharova.

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Las modernas Sonia Delaunay y Alice Bailly, entre otras, proponen a través de la pintura-tejido-moda una nueva concepción del arte y su inserción en la vida cotidiana.

Y escenas populares, como las «Verbenas» de Maruja Mallo, reflejan la alegría de las ciudadanas tras la conquista del espacio público.

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La exposición es la primera gran muestra enmarcada en el proceso de redefinición feminista que el Museo Thyssen está realizando en los últimos años, y cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el patrocinio de Carolina Herrera. Tras su presentación en Madrid, una versión reducida de la muestra podrá verse en el Arp Museum Bahnhof Rolandseck de Remagen (Alemania).

Mi opinión sobre la exposición «Maestras»

¡No imagináis cómo me apetecía volver a este Museo!  No lo visitaba desde hace bastantes años y necesitaba volver.  Sencillamente esta exposición fue la mejor excusa para perderme de nuevo por sus salas y magnífica colección.  Así que dediqué buena parte de mi día a pasear por los diferentes espacios.

Después de un excelente café, me dirigí al museo a esperar que abriese sus puertas Había algo de fila, pero iba a buen ritmo y enseguida entré.  Como había adquirido la entrada previamente, todo fue rápido.  La pena es que había mucha gente en consigna y decidí no esperar en ese momento.  Fui directa a visitar la exposición.

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Pedí que me hiciesen una foto y, a partir ahí, me dejé llevar sin ninguna prisa por los diferentes espacios, divididos por temas como os he ido explicando anteriormente.  El recorrido tiene un claro hilo conductor que, según mi criterio, es muy acertado.

Elegir como comienzo esta muestra temporal fue un acierto, porque después se fue llenando de público, pero yo tuve la ocasión de contemplarla con tranquilidad, prácticamente en silencio y, por supuesto, con la calma que requería.

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La exposición cuenta con más de cien piezas entre pinturas, esculturas, obras sobre papel y textiles de artistas que abarcan desde finales del siglo XVI a la primera década del siglo XX, un amplio periodo histórico.  Y creo que exposiciones así son necesarias, incluso imprescindibles, son una forma de restituir el olvido al que se ha sometido a las mujeres en la historia del arte.

En palabras de la comisaria, Rocío de la Villa:

“Poniendo en positivo la otra mitad de la historia del arte”
«Maestras es una exposición feminista que supone un correctivo sin paliativos a los prejuicios derivados del patriarcado”
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¿Y sabéis lo más curioso? Las obras que se exhiben fueron reconocidas en su tiempo, aspecto que puede deducirse de los marcos utilizados.  Y esto es así porque, para el relato que se ha querido transmitir con esta recopilación, se han elegido momentos en los que las condiciones eran algo más favorables para las artistas. Etapas en las que hubo una feminización de la cultura y en la que los géneros que practicaban eran muy florecientes.

Sin embargo, luego fueron borradas de la historia del arte.  Pero el Museo Thyssen, en esta cita, coloca a esas artistas ninguneadas durante siglos en el lugar que, por justicia, deberían haber ocupado siempre, proyectando sobre ellas una mirada feminista.

En definitiva, esta exposición culmina un proceso de toma de conciencia feminista con el que este museo se ha ido comprometiendo desde hace más de diez años cuando ya se hizo la muestra «Heroínas».

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En relación con la exposición, se ha organizado también «Otras maestras», reuniendo a doce profesionales actuales -investigadoras, filólogas, artistas, historiadoras, paisajistas, políticas, escritoras, antropólogas- que reflexionan sobre sus especialidades profesionales hoy en día a partir de los grandes temas o capítulos de la muestra de referencia.

Tenéis más información sobre esta actividad paralela aquí.

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Si tenéis oportunidad, os recomiendo que visitéis la exposición, porque son obras de autoras mujeres representando a mujeres, pero no es necesario ser mujer para disfrutarla.  Y es de justicia que todos devolvamos a estas artistas el sitio en la historia del arte que debieron tener.

 

Exposición «Colores del mundo»

Exposición «Colores del mundo»

Mientras el verano avanza demasiado rápido (es mi época del año preferida y siempre se me hace corto), os cuento que he tenido la oportunidad de visitar la Exposición «Colores del mundo», que puede verse actualmente en CaixaForum Zaragoza.  La visita fue muy especial porque coincidió con la inauguración de la muestra.

#CaixaForumColoresDelMundo

Cada día estamos rodeados por un caleidoscopio de vida en color en constante cambio.

Exposición Colores del Mundo Mis Palabras con Letras 1

Datos

Fechas de la exposición: Del 13 de julio al 29 de octubre de 2023.
Lugar: CaixaForum Zaragoza.
Horario: De lunes a domingo de 10.00 a 20.00 horas.

Objetivo de la exposición «Colores del mundo»

¿De qué color es la vida? Sin duda es un caleidoscopio colosal que puede descubrirse a través de estas fotografías de National Geographic que pueden verse en la exposición “Colores del mundo”.

La naturaleza, las ciudades, el cielo… La diversidad de colores del mundo es colosal. Solo los grandes fotógrafos y fotógrafas, como los de National Geographic, han sido capaces de capturarlo en su esencia.

Exposición Colores del Mundo Mis Palabras con Letras 2

National Geographic

En la vida cotidiana de las grandes ciudades del planeta, predominan las luces brillantes, los colores metalizados, el blanco, el negro y el gris. Pero nuestro mundo es un caleidoscopio de color. Desde hace décadas, National Geographic nos ha llevado hasta casa las imágenes de la variedad del mundo. En la actualidad, el trabajo de sus fotógrafos es una llamada a la responsabilidad y al compromiso en favor de la diversidad.

De los brumosos azules y grises de luz de la mañana a los vívidos púrpuras y rojos de la puesta del sol, esta exposición nos invita a descubrir, a través de las imágenes, que el color está en todas partes aunque no le prestemos atención. Cada ámbito está dedicado a un color, su significado, sus cualidades y su simbolismo a lo largo del tiempo.

Colores

Una mínima diferencia en la longitud de una onda luminosa determina si vemos el color rojo o el azul, y la psique humana da a esos colores connotaciones que se han generalizado en las culturas de todo el mundo.

Por ejemplo, en India y en Japón, el rojo significa pureza, en África se considera el color del luto y en otros países tiene una connotación de potencia y fuerza.

Tanto si invade todo un ambiente como si se reduce a un pequeño punto aislado de brillo en un mar de negrura, el color es siempre protagonista.

Exposición Colores del Mundo Mis Palabras con Letras

Blanco

El blanco está en los principios y en los finales.  Es un color etéreo, es inmaculado y prístino. La delicadeza del blanco se puede ver en las plumas suaves y blandas de una garceta nívea o en la fina membrana de un huevo de cisne que acaba de romperse.

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Si bien puede parecer que el blanco es la nada absoluta, en realidad es la presencia de todos los colores combinados en una tonalidad cegadoramente brillante.  El blanco es la suma de todos los colores.  Es el color de la nada y del todo.

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Amarillo

El amarillo es un color llamativo cuando lo vemos en la breve aparición de un abejorro rayado o en el brillo luminoso de los peces cirujanos amarillos que entran y salen a toda velocidad en un arrecife de coral luminiscente.

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El amarillo es el sol que da luz al planeta y nos proporciona crecimiento, calor y relajación.  Amarillo es el reflejo de una enorme estatua de Buda que te contempla serenamente desde arriba en su esplendor dorado.

El amarillo es sereno en los vastos campos de trigo resplandecientes que se extienden a lo largo de interminables llanuras.

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Naranja 

El naranja es un color al que a menudo no se le da suficiente relevanciaCede protagonismo a colores más decisivos, como el rojo o el amarillo.

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El naranja no tiene fronteras, es llamativo y suave, sereno y bravo, contenido y desorganizado.  El naranja es la tonalidad amable que une a las personas, el puente entre la claridad y la oscuridad.

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Rojo

La naturaleza utiliza el rojo para atraer y para exhibir poder.  La lava roja y ardiente que sale de un volcán muestra la potencia y la fuerza imparables que hay bajo la corteza terrestre.

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Las rosas de color rojo vivo actúan como balizas para los insectos y los pájaros, estimulando la polinización y asegurando así la propagación de su especie. El rojo es insistente y enérgico.  Es un color que persiste en todas las estaciones.  El rojo es el amor, el fuego y la pasión. No hay sutileza en el rojo.  Es el latido de todo, imparable e irremplazable.

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Violeta

Lavanda, ciruela, berenjena, castaño rojizo, magenta… todas son tonalidades de violeta y todas son extraordinariamente distintas.  El violeta está en el alba, antes de que el sol surja en el horizonte, cuando solo ilumina la Tierra el violeta oscuro del cielo que está pasando del negro al azul.  El violeta es misterioso.

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Es discreto, pero insistente, llama nuestra atención cuando a menudo lo encontramos entre brillantes manifestaciones de color.

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Azul

En nuestro planeta vivimos constantemente rodeados por diferentes matices de azul.  Desde tiempos inmemoriales, el color azul ha estado profundamente arraigado en la cultura humana, que tanto lo puede relacionar con una profunda melancolía como una serena esperanza.

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Recientemente, la ciencia moderna ha permitido a los astronautas alejarse lo bastante en sus viajes como para contemplar la Tierra desde el espacio y verla como lo que realmente es: un planeta azul.

Verde

El verde es una manifestación de vida.  El primer brote de una planta de color verde brillante en la gran extensión de tierra de un campo significa que la vida resurge tras un invierno gris. La reaparición gradual de las hojas en el bosque es un renacimiento, una renovación de la vida, que entra en un nuevo ciclo de frescura y juventud.

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El verde nos mantiene vivos a todos.  La extensa red de verde en nuestro planeta exhala el oxígeno que los humanos inhalamos, estableciendo una relación cíclica de vida y muerte que es necesario proteger y conservar. 

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Mi opinión sobre la exposición «Colores del mundo»

La primera idea con la que me quedo después de visitar la exposición es que el color es una fuerza que nos mueve y nos motiva, nos relaja y nos tranquiliza, y nos excita y nos cautiva.  El color es siempre un personaje principal en la fotografía.  Actúa como un mensajero para todos nosotros.

En las sociedades en que vivimos expuestos a una avalancha constante de colores en la publicidad, la ropa y la tecnología, estas fotografías nos permiten dar un paso atrás y redescubrir la importancia y el significado del color en nuestro mundo.

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La exposición recoge 63 impactantes fotografías de distintos fotógrafos de National Geographic, en las que el color es el claro protagonista.  Aunque no solamente hay color.  Cada fotografía tiene una historia y en la visita guiada tuve la suerte de conocer algunos de estos relatos.  No son imágenes sin más.

Además, ese día nuestro guía fue Rubén Duro Pérez, el comisario de la muestra.  Duro es biólogo, divulgador científico, fotógrafo y productor autónomo de documentales de ciencia e historia natural, creador del proyecto Science into Images, colabora habitualmente con varios equipos científicos, a los que proporciona material gráfico y con los que ha producido diversos audiovisuales para explicar sus proyectos de investigación.

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Destaca por su capacidad de mostrar la belleza y el valor de la vida microscópica. Ha recibido diversos premios nacionales e internacionales y le han dedicado varios programas de televisión y radio.

Sus imágenes se han publicado en diferentes revistas científicas y de divulgación: Symbiosis, International Microbiology, Contributions to Science, PLoS ONE, National Geographic, Investigación y Ciencia, Muy Interesante.

Imaginaros qué privilegio fue escucharle y disfrutar con sus comentarios mientras recorríamos las salas de cada color.

“La diversidad de colores también es interpretada por diversidad de culturas, lo que nos permite ver que el mundo es diverso tanto en su expresión como en su interpretación”

Exposición Colores del Mundo Mis Palabras con Letras 3

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Lo cierto es cada una de las fotografías te invita a reflexionar sobre el color, un elemento que nos rodea en todo momento es nuestras vidas.  Un elemento que es capaz de impactar en cómo nos sentimos y llenarnos de fuerza, relajarnos o emocionarnos.

¿Quién no se ha vestido de un color determinado dependiendo de su estado de ánimo o de cómo se siente?

Si os acercáis, podréis ver imágenes de fotógrafos que han recibido múltiples premios, como Joel Sartore, Steve McCurry, Michael Nichols, Lynn Johnson, Jodi Cobb, Paul Nicklen o Frans Lanting.  En sus fotografías captan la esencia de paisajes, culturas y tradiciones de todo el mundo, desde Papúa-Nueva Guinea hasta India pasando por Italia, República Democrática del Congo, Chile o Estados Unidos.

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También me quedo con la conclusión de percibimos el mundo a través de la mezcla de colores, pero con la intervención del cerebro, que hace su interpretación. Por eso es tan importante el componente personal, porque determinados colores nos afectan anímicamente.

Los fotógrafos de esta exposición destacan por su gran capacidad técnica e interpretativa.  No se puede olvidar que National Geographic a la hora de seleccionar profesionales, tiene muy en cuenta su habilidad para transmitir emociones y contar historias.  Trabajan con la luz y, a través de ella, imaginan el mundo.  Usan sus imágenes para contar el mundo, para plasmarlo con su capacidad imaginativa.

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Si tenéis oportunidad, os recomiendo que visitéis la exposición.  Si no es posible, espero haberos acercado un poquito de su interés.

 

Exposición «Tesla.  El genio de la electricidad moderna»

Exposición «Tesla. El genio de la electricidad moderna»

Toca proponeros una interesante muestra, porque visité la Exposición «Tesla. El genio de la electricidad moderna», que puede verse en el  CaixaForum Zaragoza, y os la quiero recomendar.  Supongo que todos conocéis a Nikola Tesla, porque es considerado uno de los genios de la ciencia y la tecnología más importantes de la historia.  De hecho, dicen que fue uno de los inventores del siglo XX

«El presente es suyo; el futuro, por el que realmente he trabajado, es mío» (Nikola Tesla) 

Exposición Tesla Mis Palabras con Letras 2

Datos

Fechas de la exposición: Del 10 de febrero al 11 de junio de 2023.
Lugar: CaixaForum Zaragoza.
Horario: De lunes a domingo de 10.00 a 20.00 horas.

Exposición Tesla Mis Palabras con Letras 3

Objetivo de la exposición «Tesla. El genio de la electricidad moderna»

En esta exposición se ahonda en la vida de este precursor de la tecnología moderna. Idealista, polifacético, visionario, admirado y, también, envidiado por sus contemporáneos. Es mucho más que uno de los inventores más importantes de todos los tiempos: es el fundador de la tecnología moderna, una figura clave en la historia de la ciencia.

Casi olvidado durante años, en las últimas décadas su figura ha sido reivindicada, y en el ámbito popular se ha convertido en todo un icono, el paradigma del genio avanzado a su tiempo pero desafortunado en los negocios.

Exposición Tesla Mis Palabras con Letras 4

Nikola Tesla

«No, será el hijo de la luz» (Djuka Tesla, su madre)

Tesla fue un genio precoz.  Ya de muy pequeño, Tesla demostró una memoria fotográfica (eidética) y una facilidad especial para las matemáticas.  En 1875 ingresó en la Escuela Politécnica de Graz (Austria) para estudiar ingeniería eléctrica.

Allí empezó a concebir las ideas sobre nuevos tipos de motores, que se acabaron plasmando, doce años más tarde, en el motor de inducción magnética, su primer gran invento.

En 1881, Tesla entró a trabajar en la central telefónica de Budapest. Allí desarrollará la idea de un mecanismo que, mediante corriente alterna genere un campo magnético como fuerza motriz: el motor de inducción.  La inspiración le llega mientras pasea con un amigo por un parque.  Mirando la puesta de sol, Tesla recita un fragmento del Fausto de Goethe, y de repente tiene una visión con la solución al problema.  Con la ayuda de un bastón, dibuja en el suelo la idea de un campo magnético rotativo.

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Primer gran invento: el motor de inducción polifásico

En la época, los motores eléctricos funcionaban con conmutador y escobillas, y se alimentaban con corriente continua. Ya siendo estudiante, Tela veía factible un motor sin escobillas, pero sus profesores consideraban la idea impracticable.  en 1883, trabajando para la compañía de Edison en Europa, Tesla presenta su primer motor de inducción, pero no consigue ayuda financiera para desarrollarlo.

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Analogía mecánica del motor de inducción de Tesla

En esta analogía del funcionamiento de un motor de inducción alimentado por corriente alterna polifásica, cada característica del fluido corresponde a un análogo eléctrico: el mismo fluido corresponde a la electricidad, su flujo, a la intensidad de la corriente; y la presión, a la fuerza electromotriz.  Los chorros representan los flujos alternos, con las mismas relaciones de fase, amplitud y dirección que las corrientes sincronizadas en el caso del motor polifásico real.

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Un viaje azaroso

Frustrado por la falta de soporte financiero para su motor de inducción, Tesla decide abandonar Europa para probar suerte en Estados Unidos.  Con la ayuda económica de unos familiares, en la primavera de 1884 se embarca rumbo a América en el barco City of Richmond.

El viaje será accidentado: le roban el dinero y las maletas, e incluso se produce un motín que está a punto de costarle la vida.  Lejos de acobardarse, Tesla sigue adelante, y en junio de 1884 se instala en Nueva York, donde entra a trabajar en otra compañía de Thomas Edison, llamada Edison Machine Works.

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Primeros pasos en EE.UU: Tesla trabaja para Edison

Los primeros trabajos de Tesla para Edison en Estados Unidos consistirán en la mejora de la red de alumbrado de la ciudad de Nueva York, que entonces funcionaba con corriente continua.  Edison le promete una recompensa de 50 000 dólares si consigue mejorar las prestaciones de sus dinamos.

Tesla cumple con creces su parte, pero Edison se niega a hacer honor a su palabra  Decepcionado, Tesla renuncia y decide establecerse por su cuenta.  Sin embargo, abrumado por los problemas económicos, durante una temporada tiene que trabajar cavando zanjas para la compañía Edison.

Juego sucio en la guerra de las corrientes

Alarmado por los progresos de Tesla, Edison inicia una guerra de relaciones públicas contra la corriente alterna, con episodios de auténtico juego sucio.  Aviva el miedo de la sociedad de la época a los accidentes por electrocución por alta tensión, y sugiere la utilización de la corriente alterna para las ejecuciones con silla eléctrica.

Incluso organiza espectáculos lamentables, tales como electrocuciones públicas de animales: perros, terneros… ¡y hasta un caballo!

Estalla la «guerra de las corrientes»

A finales de la década de 1880 estalla una competencia feroz entre las compañías eléctricas norteamericanas para conseguir un suministro eficaz.  Las dos empresas que la encabezan son Westinghouse Electric, del magnate George Westinghouse y Edison Electric.

Cada compañía confía en un sistema de producción eléctrico diferente: corriente alterna, la primera y corriente continua, la segunda.  Esta competencia se conoce popularmente como la «guerra de las corrientes». Tesla, ferviente defensor de la corriente alterna, empieza a trabajar para Westinghouse en 1888.

Época dorada: experimentos en Nueva York

En 1890, Tesla instala su laboratorio en el número 33-35 de la South 5th Avenue (actualmente, West Broadway).  Allí trabajará hasta que, en 1895, un incendio destruirá el edificio.  Para salir del paso, y pese a la enorme rivalidad que los enfrenta, Edison le ofrecerá instalarse provisionalmente en un laboratorio perteneciente a su compañía.

Pocos meses después, Tesla se establecerá en otro local propio, en Houston Street.  En estos laboratorios neoyorquinos es donde llevará a cabo buena parte de sus trabajos más remarcables.

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Experiencias con rayos X: las sombragrafías

Experimentando con corrientes de alta frecuencia, en 1892 Tesla observa una «radiación invisible» que daña las películas fotográficas que se encuentran cerca.  Seguirá investigándola, pero sus notas e instrumentos se perderán en el incendio de su laboratorio.

En ese mismo año, Wilhelm Röntgen anuncia el descubrimiento de los rayos X, pero Tesla obtiene algunas de las primeras imágenes internas del cuerpo humano a las que denomina sombragrafias.

Sistema de cuatro circuitos resonantes

En la década de 1890, Tesla se interesa cada vez más por la transmisión de energía e información sin cables con circuitos eléctricos resonantes.  Su modelo consta de un transmisor formado por dos circuitos acoplados y una antena, y de un receptor idéntico.

Ajustando las frecuencias de los circuitos transmisores y receptores, se establecen condiciones de resonancia y se transmite la señal.

La bobina Tesla, la madre de todas las patentes

En 1891, el ingeniero patenta uno de sus inventos más conocidos, la bobina Tesla, un circuito de inducción eléctrica resonante, que actúa como transformador con número de aire (en vez de hierro) y que sirve para producir corrientes de muy alta tensión y frecuencia.

Tesla lo utiliza para estudiar la transmisión de energía y señales a distancia sin cables, las descargas eléctricas, la fluorescencia o los rayos X.

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Tesla saborea el triunfo: la gran exposición Universal Colombina de Chicago

En 1893 tendrá lugar la Exposición Universal Colombina de Chicago organizada para celebrar los 400 años del descubrimiento de América.  En la exposición, que se anuncia como «El mundo del mañana», la electricidad es la principal atracción.

Westinghouse Electric obtiene los derechos para producir la energía necesaria para su funcionamiento con 12 generadores bifásicos Tesla: una victoria contundente de Tesla, Westinghouse y su sistema de corriente alterna en la guerra de las corrientes.

La central hidroeléctrica del Niágara

En 1893, Edward Adams, jefe de la comisión que debe planificar una central hidroeléctrica que aproveche la energía generada por las cascadas del Niágara, adjudica la tarea a Westinghouse Electric.

Inaugurada en 1896 y basada en el sistema de Tesla, el primer transporte de electricidad llegará a la ciudad de Buffalo, situada a 32 kilómetros.  Será el triunfo decisivo de Tesla y Westinghouse en la guerra de las corrientes.

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Rótulos de colores anuncian el futuro

Tesla aprovecha la exposición para contrarrestar la mala prensa de la corriente alterna haciendo demostraciones espectaculares en las que se expone a corrientes de gran voltaje y baja intensidad que le atraviesan el cuerpo sin dañarlo.

También presenta algunos de sus inventos más vistosos.  Pese a no ser el inventor de los tubos fluorescentes, los perfecciona, y sus innovadores rótulos luminosos causan sensación y se convierten en iconos del progreso.

A cada gas, su color

En los viales de vidrio que hay en la exposición hay muestras puras de diferentes gases, a baja presión.  Un campo eléctrico de alta frecuencia generado por una bobina Tesla (otro invento suyo) excita los electrones de los átomos del gas dándoles energía; y cuando los electrones se desexcitan, el gas emite luz por fluorescencia.

Los colores son característicos de cada tipo de gas, fruto de su espectro de emisión particular. Los tubos fluorescentes se basan en este fenómeno.

Exposición Tesla Mis Palabras con Letras 1

El oscilador mecánico: la «máquina de hacer terremotos»

Uno de los inventos más conocidos de Tesla de aquella época es el oscilador mecánico, un generador eléctrico que produce vibraciones mediante un pistón.  En 1895, Tesla experimenta con el oscilador en su laboratorio; al parecer, el aparato hace que el edificio entre en resonancia y los vecinos se lleven un susto.

Nace así el mito que dice que Tesla había conseguido generar terremotos artificiales.

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El sueño de Tesla: la transmisión inalámbrica de la energía 

La respuesta está en el sistema de alimentación sin cables ideado por Tesla.  Un circuito de resonancia magnética situado en la parte superior del dispositivo actúa como transmisor, y suministra energía a la bombilla con una frecuencia de entre 100 y 1000 Hz.

El primer mando a distancia

Desarrollando sus ideas sobre transmisión sin cables, Tesla perfecciona un sistema de control remoto, precursor de los actuales mandos a distancia.  En 1898, con motivo de una exhibición de aparatos eléctricos, presenta un prototipo de barco teledirigido,.

Los asistentes reciben con incredulidad el nuevo invento: unos creen que Tesla tiene poderes telecinéticos y otros piensan que simplemente es un truco.

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Tesla, padre del SETI (Search for Extraterrestrial Intelligence)

Un ejemplo del espíritu visionario de Tesla son sus ideas sobre posibles contactos con inteligencias extraterrestres utilizando una hipotética versión extrema de la transmisión inalámbrica, que él denomina teslascopio.

En 1899, en Colorado Springs, detecta una extraña señal estática y repetitiva que parece provenir de Marte -en aquel tiempo se suponía habitado-.  Hoy sabemos que malinterpretó el origen de la señal.

Experimentos en Colorado Springs

Las investigaciones de Tesla lo llevan a utilizar osciladores de alto voltaje y alta frecuencia cada vez más potentes.  En su laboratorio de Houston Street llega a conseguir tensiones de 4 millones de voltios y arcos eléctricos de 5 metros de longitud.

Pero, para progresar, necesita construir osciladores aún más poderosos, lo cual puede llegar a ser peligroso en el entorno urbano en que trabaja.  En mayo de 1899, Tesla abandona Nueva York y se traslada a Colorado Springs, donde se hace construir un nuevo laboratorio en las afueras.  Allí trabajará ocho meses.

Experimentos en Long Island.  La Torre Wardenclyffe

En 1900, Tesla regresa a Nueva York con el objetivo de desarrollar su Sistema Mundial.  Consigue 150 000 dólares del magnate J.P. Morgan y pone en marcha su proyecto más ambicioso: la construcción de la Torre Wardenclyffe (un generador gigante) en Long Island.

Pero, en 1901, Marconi transmite con éxito una señal de Inglaterra a Terranova, con la que derrota a Tesla en la carrera por ser el primero en conseguirlo.  La pérdida de interés por parte de los inversores y los gastos acumulados abocarán a nuestro protagonista a la ruina.  La torre será finalmente destruida en 1917.

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Turbina sin álabes   

En paralelo a su gran proyecto del Sistema Mundial, Tesla sigue ideando inventos en otras ramas de la ingeniería.  En 1906, con motivo de su 50º cumpleaños, presenta una turbina de 200 caballos (150KW) sin pistones ni álabes, que funciona con discos paralelos con una abertura central.

Con gran ingenio, Tesla usa las fuerzas de adhesión y viscosidad, que los diseñadores siempre habían procurado evitar, como medio de propulsión.

Avión de despegue y aterrizaje verticales 

Los años posteriores al desastre de la Torre Wardenclyffe fueron muy duros para Tesla.  No obstante, a pesar de los problemas económicos y de salud, cada vez más evidentes, el genio siguió presentando innovaciones revolucionarias, pero difícilmente practicables en la época.

En 1928 presenta las últimas patentes para proteger su invento culminante en el campo de la aviónica, un avión biplano capaz de despegar y aterrizar verticalmente: el helicóptero-avión.

El rayo de la muerte: ¿realidad o ficción?

En 1934, Tesla anuncia el diseño de un arma defensiva que «pondrá fin a todas las guerras».  La denomina telefuerza, conocida popularmente como «rayo de la muerte».  Es un cañón electromagnético que carga partículas metálicas a millones de voltios y las dirige hacia el objetivo mediante repulsión electrostática.

Aun siendo factible en teoría, Tesla no llegó a desarrollarla.

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Últimos años: pobreza, rarezas y aseveraciones extraordinarias  

A partir de 1900, Tesla empieza a vivir en hoteles de los que se va cuando no puede pagar las facturas desorbitantes que acumula.  Finalmente, en 1934, la compañía Westinghouse empieza a pagarle los alquileres y una pequeña renta mensual.

Con los años, Tesla se vuelve cada vez más solitario, desconfiado y excéntrico.  Las últimas décadas de su vida se caracterizan por unas ruedas de prensa en las que hace declaraciones extraordinarias, muchas de ellas fruto de su imaginación más que de los hechos.  El 7 de enero de 1943, a los 86 años, Tesla muere solo en la habitación 3327 del New Yorker Hotel.

Un mundo nuevo

En el imaginario colectivo. Tesla siempre será el arquetipo de genio romántico tan característico de las novelas de aventuras del siglo XIX.  Pero, en realidad, fue un científico e ingeniero extraordinario, y una de las mentes más brillantes nunca vistas.

Cuando Tesla nació, el mundo funcionaba gracias al vapor y a la fuera física; y a su muerte, lo hacía impulsado por la electricidad.  A menudo se dice que Tesla inventó el siglo XX.  No fue el único, pero sus aportaciones fueron, sin duda, decisivas.  Y, por tanto, le corresponde un puesto de honor en la historia de la humanidad.

«En realidad no me preocupa que quieran robar mis ideas, ¡me preocupa que ellos no las tengan!» (Nikola Tesla) 

Mi opinión sobre la exposición «Tesla. El genio de la electricidad moderna»

¡Qué gratísima sorpresa ha sido visitar esta excelente exposición!  Sinceramente, me ha encantado poder disfrutar y, además, hacerlo a través de una maravillosa visita guiada, que fue muy apropiada en cuanto a tiempo, explicación de los detalles y del contenido, así como en cuanto a las paradas en cada zona e ilustración con diversas anécdotas.  CaixaForum Zaragoza siempre programa muestras de gran calidad y, sin ninguna duda, esta se suma a su lista de aciertos.

Desde luego, Nikola Tesla era un personaje singular, empezando por su nacimiento, en medio de una tormenta; siguiendo por sus múltiples rarezas, como la de tener una enorme fascinación por el tres o su constante preocupación por los ángulos de las paredes de las habitaciones; y terminando por su muerte, solo en un hotel.

Ivona Jevtic, directora del Museo Tesla, ha dicho:

«Era un hombre bueno, fuera de su tiempo, que trabajaba por el bien de la sociedad. Murió solo y sin nada; el mundo está en deuda con él»

La exposición «Tesla.  El genio de la electricidad moderna» ha sido organizada en colaboración con el Nikola Tesla Museum de Belgrado.

Exposición Tesla Mis Palabras con Letras 16

La verdad es que Tesla se merece una muestra así.  ¿Sabéis que hay documentadas cerca de 300 patentes suyas?  Increíble ¿no?. Y, desde luego, no podemos olvidar que le debemos contribuciones fundamentales  para la vida moderna, como por ejemplo la invención del motor de inducción, el desarrollo de la corriente alterna como fuente de energía y la transmisión inalámbrica de energía e información, entre otras.

Además, es de gran importancia su contribución a la iluminación de ciudades, de su papel en el desarrollo de las lámparas fluorescentes o la radio.  Además, fue realmente un visionario, su Sistema Mundial de Transmisión puede considerarse precursor del actual internet. 

Así que, por favor, cuando encendamos una luz, pensemos alguna vez en Tesla.  Ese será el mejor reconocimiento a su trabajo, a veces ridiculizado por sus contemporáneos.  Y recordemos también que supo crecerse ante las diversas adversidades, no se rindió.

Y la muestra es aún más interesante porque incluye módulos electromecánicos para que los visitantes podamos observar en funcionamiento los principales inventos de Tesla.  Incluso presenta también experimentos que permiten explicar de manera inteligible la física en la que están basados, destacando dos grandes bobinas de Tesla con las que se llevan a cabo exhibiciones de alta tensión durante las visitas guiadas.

Por si esto fuera poco, la exposición cuenta con un ciclo de conferencias y con un amplio programa de actividades complementarias: visitas guiadas (miércoles, sábados y domingos), visitas taller (sábados), taller (sábados 4 y 18 de marzo; domingos 5 y 12 de marzo) y actividades educativas.

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Y me ha parecido un plan bastante chulo un pack que ofrecen relacionado con la exposición: visita libre a la exposición “Tesla. El genio de la electricidad moderna” y, al finalizar, una experiencia gastronómica en el coqueto restaurante del edificio, en la parte superior, con una degustación especialmente diseñada para esta exposición

Espero que esta entrada os resulte interesante y que, si está en vuestra mano, visitéis la oposición, por mi parte os la recomiendo y estoy segura de que no os va a defraudar.

 

Exposición «Alegría» de Eva Armisén

Exposición «Alegría» de Eva Armisén

Hace unos días visité la exposición «Alegría» de Eva Armisén en la Sala de Exposiciones de La Lonja en Zaragoza.

Su obra se centra en plasmar la vida diaria y lo cotidiano como algo extraordinario. Propone una mirada vital y optimista que nos traslada a un mundo habitable y lleno de emoción.

Os voy a dar más detalles.

Datos

Fechas de la exposición: Del 10 de febrero al 24 de abril de 2022
Lugar: La Lonja
Horario: De martes a sábado de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00 horas.  Los domingos y festivos de 10.00 a 14.30 horas.  La entrada es gratuita.

¿Quieres visitar la exposición más en profundidad y conocer los detalles de las obras? No te pierdas las visitas guiadas organizadas por el servicio de Cultura del Ayuntamiento para escolares, familias y público en general. Estos son los días y horarios:
– Para escolares
Jueves, a las 10 h y a las 12 h.
Reserva previa y gratuita en el correo electrónico: didacticacultura@zaragoza.es o en el teléfono 976 721 447.
– Para familias
Sábados, a las 18 h.
– Para público general
Domingos, a las 11 h.
Reserva previa y gratuita en la recepción de la Lonja o en el teléfono 976 397 239, en el horario de apertura de la exposición.

Eva Armisén

La vida artística de la autora está íntimamente ligada a su vida personal, un hecho que se refleja en esta exposición. Bajo la apariencia de una sencillez de trazos y composiciones, ha creado un complejo universo personal. 

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, completa su formación en la Rietveld Akademie de Amsterdam y becada por la Fundación Joan y Pilar Miró de Palma de Mallorca. Vive y trabaja en Barcelona.

Contenido

La muestra se compone de más de 200 piezas entre pinturas, esculturas y cerámicas distribuidas en ocho espacios temáticos diferentes.

En sus obras, la reconocida pintora recupera experiencias y lugares intensamente vividos que quedan inmortalizados en sus creaciones, puesto que el significado profundo del arte consiste en conectar con aquello que siente y transmitir esa emoción. La exposición pretende enlazar al visitante con su propia Alegría.

Pintar la vida

La exposición está dividida en ocho etapasPintar la vida, a modo de introducción, nos presenta una serie de autorretratos.  Eva en distintos contextos, la narradora como personaje central en una muestra de sinceridad, en sus más íntimas y cotidianas poses, diciéndonos con sus obras que ella pinta la vida.  Una vida que no se entiende sin la pintura, es que parte de su esencia, una necesidad primaria.

La pintura es un acto de valentía, que lo mismo sirve para mirar sin miedo, como para trasladarse a lugares diferentes y obtener la calma, como refugio, como razón de ser.  Una vida que relaciona con el acto de tejer, de ir creando una trama, en la que cada punto lleva al siguiente, así como se teje la vida con cada acto, como cada persona se va construyendo. La vida diaria de una artista.  Y siempre con una sonrisa en los labios.

Léxico familiar. Lo extraordinario de lo cotidiano

Hace referencia al lenguaje especial que se crea en la relación con personas cercanas, y que existe mientras dura ese vínculo. Y la pintura como testigo de ese léxico familiar único.

Eva forma parte del paisaje, en compañía de esos otros seres queridos que componen su escenario familiar: padres, hijos, hermana, pareja, amigos…

Jugando, comiendo, paseando, charlando, yendo de picnic…

Viviendo, en una palabra.

Momentos cotidianos pasados con gente querida, el día a día convertido en algo extraordinario.

Personas, caricias, paisajes, olores y sabores que aparecen en las pinturas poniendo caras a la cercanía.

Creando escenas, los cuadros se convierten en testigos de momentos que ya no desaparecen.  Evocando sensaciones, instantes, recuerdos.

Amor

Amor es el título de otra sección en la que el amor aparece desde todos los puntos de vista, en diferentes contextos, recogiendo los cambios que la edad va imponiendo a los sentimientos.

Es el amor a uno mismo, de pareja, el maternofilial, el enamoramiento…

Las creaciones expuestas muestran un amplio abanico de sentimientos, situaciones y gestos que propicia el arte de quererse.

Eva es latido. Vuelo, Mariposa. Escalofrío. Una mirada lúcida ante la oscuridad.  Una mujer que se opone bellamente a la noche. (Antón Castro) 

Retratos del confinamiento

La pandemia y el confinamiento han hecho reflexionar también a la artista; en el apartado Retratos de confinamiento se recogen dibujos íntimos que Eva Armisén realizó a partir de fotografías a gente cercana o relacionada con su trabajo, en un intento de alegrar los días de encierro en las casas y mantener la comunicación. Una idea que empezó con cuatro retratos y acabó con una centena.

La lucha y la fragilidad

Fragilidad se escenifica en un conjunto de cerámicas en cuya cara principal se esculpen en relieve rostros, expresiones con títulos evocadores: Volar, Ideas, Feliz, Cabeza encendida, Mi isla y Pájaros en la cabeza.  De nuevo, lo esencial.  Lo primitivo.

Frente a ella, La lucha, que, sin duda, nos hace más fuertes. Responde al empeño de no doblegarse, de retar a los días con las herramientas que tengamos a nuestro alcance.  Cuando todo se desmorona, rearmarse y volverse a construir.  No mirar atrás o afrontar con ánimo las mudanzas que impone la vida.

Naturaleza

En el interés por retratar, dibujar, pintar, componer o colorear personas y paisajes, Eva está altamente influida por la naturaleza.  Una mirada cercana, que es lo que hay en cada una de sus obras, necesariamente tiene que estar acompañada del entorno.

Brotan así nuevos óleos sobre tela para pintar la primavera, recordar a una flor, sugerir la vida interior, mirar o volar.  Una explosión de color para formar parte del paisaje y sentirse dentro.  De nuevo la capacidad motora de la pintura y el pensamiento.  O de dejar salir las flores que llevamos dentro, que son una fuerza imparable.  Es la belleza.

Haenyeo: mujeres del mar

Está dedicado a las buceadoras de la isla surcoreana de Jeju, cuya historia y tradición se remonta a hace varios siglos. Las haenyeo forman una comunidad de mujeres de diferentes edades, algunas de ellas octogenarias, de espíritu independiente y fuerte que se dedican a la pesca sumergiéndose en el océano, sin máscaras de oxígeno, hasta los diez metros de profundidad.

Sus dibujos formaron parte de la candidatura para declarar a las haenyeo Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO.

Celebración

La vida también es una fiesta, una celebración, o tiene días y ratos alegres, de vivos colores, de fuegos artificiales, verbenas, ocios compartidos, de gratas tradiciones y anhelados encuentros.  Es Rubén Darío y sus versos diciéndonos que todo depende del color del cristal con que se mira.  Así lo hace Eva, para quien la pintura le trae alegría incluso en los momentos tristes, le abriga y le protege.

La exposición en un recorrido que conecta al visitante con su propia Alegría; una fiesta que celebra la pintura, la creatividad y el reencuentro. Porque pintar es abrir ventanas y transitar nuevos caminos; componer con notas de colores un himno a la alegría.

Mi opinión sobre la exposición «Alegría» de Eva Armisén

Es probable que la visita a esta exposición se haya producido en un momento en el que necesitaba justo eso.  Colores, alegría, amor.  Me ha encantado perderme en esas imágenes llenas de vida, de optimismo, de colores alegres, de sensaciones agradables, evocadoras de buenos momentos y de emociones que reconfortan.  Sí, el recorrido me hizo olvidarme de todo.

El título es perfecto para la muestra, porque es realmente lo que se percibe. La autora ha relatado cómo el título «Alegría» es producto del sentimiento que le provoca el recuerdo de su infancia, cuando visitaba El Pilar con su familia, porque «era un estímulo de que algo bueno pasaría».  También ha contado que ha ligado esta denominación a ese camino que recorría desde su casa hasta la céntrica plaza zaragozana.

«Algo se dispara en mi cabeza cuando inesperadamente me emociono.  Tengo la necesidad de retener esa sensación y apuntarlo rápido, que no se escape.  Son momentos de excitación, de ansia y de máximo placer  cuando en un papel, en una nota de voz o en la mano con un rotulador apunto la palabra clave, el dibujo esquemático, un color y después ya está, siento la fantasía de que es mío» (Eva Armisén)

Estoy complemente de acuerdo con la introducción que nos recibe al acceder al espacio.  Alegría es una invitación a pasear por el arte y por la vida.  La artista nos sugiere descubrir la vida de otra manera, con ojos curiosos, profundizando en la esencia del momento y de las cosas. Por descontado, también de las personas.  Y lo consigue, viendo sus obras te vuelves un poco niño, regresas a esos momentos en lo que todo tenía otro tono, en los que tú mirabas de otra forma la vida y lo que pasa en ella.

Además, las obras son tan fotogénicas…  Estos días en muchas ocasiones las he vuelto a mirar, las he pasado despacio en mi móvil, tratando de extraer una parte de su energía, de su vitalidad, de su optimismo.  Quizás en la vida todo depende de cómo nos paremos a mirar nuestro alrededor.  Y ojalá fuésemos siempre capaces de volar, de observar lo cotidiano desde otro punto de vista, más inocente, más simple, más sencillo.  Ojalá nuestras mentes funcionasen con un mecanismo más de niño, más tierno, con trazos infantiles y menos complicados.

Como dice la comisaria de la exposición, Lola Durán, las obras condensan la emoción de un instante; cualquier percepción, estímulo o visión, una mirada, una palabras… Todo va quedando acumulado en la mente de la artista, que lo almacena y nos lo devuelve transformado, pues pintura y existencia se entrelazan.

Sin duda, Eva nos quiere contagiar esa alegría y lo consigue.  Ha creado un mundo mágico y visitarlo es una maravilla.  Os recomiendo este viaje fantástico, este periplo por escenas vitales, os recomiendo que la veáis y que miréis cada detalle, que os llevéis con vosotros esos colores y esa forma de contemplar el mundo.  Yo prometo volver a verla antes de que termine.  Y espero hacerlo un día con menos gente, en una visita más íntima y relajada, sin colas en la entrada.

«La inspiración viene de noche, de día, en sueños, pero cuando viene sé que tengo que ser veloz y fijarme muy bien en todos los detalles que me enseña.  Es cuestión de segundos que esa sensación primera desaparecerá.  Esos segundos para mí son poderosos, todo el proceso creativo arranca a partir de ahí.  Es un escalofrío, un chispazo, un cortocircuito.  Otra manera de ver» (Eva Armisén) 

¡Espero que os guste!  Y no dudéis en acercaros, si tenéis ocasión.   Como siempre, os aconsejo que después os toméis un aperitivo o un café en un sitio bonito con una buena compañía que os calme el alma y os mire con ojos como los que pinta Eva.  O mejor que os dibuje una de esas sonrisas de línea curvada hacia arriba.