Exposición «Destacados. Colección Telefónica»

Exposición «Destacados. Colección Telefónica»

Os cuento mi reciente visita a la exposición «Destacados. Colección Telefónica», que ha podido verse en La Lonja de Zaragoza.  ¡Sí! Tengo que hablar en pasado y me da mucha rabia.  Tenía que haber ido antes para poder recomendaros a tiempo que fueseis.  Espero que, en otros lugares, podáis disfrutarla y esta información os resulte útil.

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La exposición cuenta con una diversidad de contenido en cuanto a disciplinas y corrientes estéticas, y su variedad permite testimoniar algunos de los movimientos artísticos más significativos del siglo XX: obras surrealistas, informalismo español o figuración de la Escuela de París.

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Datos exposición «Destacados. Colección Telefónica» 

Fecha: Desde el 3 de febrero hasta el 11 de abril de 2021.

Lugar: La Lonja de Zaragoza

Horario: Martes a sábado de 10 a 14 horas y de 17 a 21 horas. Domingos y festivos: de 10 a 14.30 horas.

Entrada: Libre, con las medidas oportunas como medición de temperatura.

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La Colección Telefónica

La Colección de Arte de la Fundación cuenta con algunas de las manifestaciones artísticas más importantes del siglo XX e inicios del actual, con artistas españoles e internacionales, de diferentes disciplinas.

Se compone de un conjunto de más de 1.000 obras entre pintura, escultura, fotografía y obra en papel. La creación de este fondo se inicia en los años 80 con la intención de promover el reconocimiento de una serie de artistas españoles poco representados en los museos estatales del momento.

La Colección Telefónica ha sido calificada como «colección de colecciones», al poder agruparse en varios bloques temáticos y por contener artistas magníficamente bien representados tanto en cantidad como en la calidad de sus obras.

Introducción 

La exposición «Destacados. Colección Telefónica»comprende una selección de 121 piezas icónicas y significativas de la Colección Telefónica de pintura, escultura y obra en papel, incluyendo piezas de 7 relevantes artistas femeninas como María Blanchard, Elena Asins, Soledad Sevilla, Eva Lootz, Carmen Laffón, Menchu Gal y Menchu Lamas.

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Recorrido

Las piezas reunidas para esta ocasión no siguen un estricto recorrido cronológico, pero permiten trazar una breve panorámica de algunos de los capítulos más interesantes de la historia del arte del siglo XX. Picasso, Gris, Magritte, Delvaux, Tàpies, Chillida o Saura son artistas que generan siempre interés entre las instituciones y viajan en préstamos recurrentes.

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Contenido

La exposición se articula en cuatro ámbitos:

1.- Ecos de las vanguardias:

A través de una selección de obras adquiridas en las últimas décadas, se esbozan algunos de los movimientos más importantes de las vanguardias de principios del siglo XX, un período artístico muy intenso donde los artistas se dan cita en un París rebosante de energía creativa.

La ruptura con la tradición pictórica se materializa en el cubismo de un modo radical. Juan Gris y María Blanchard, además de amigos, son dos representantes imprescindibles de este movimiento, que se completa con la presencia de Louis Marcoussis, representante en la evolución tardía del movimiento cubista. La poderosa influencia de este nuevo estilo se siente además en otros artistas españoles que pasaron por París como Luis Fernández, Vázquez Díaz, Moreno Villa o Hernando Viñes.

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El surrealismo, otro de los grandes movimientos de las Vanguardias, está presente en la colección con dos de sus máximos exponentes: René Magritte y Paul Delvaux que, con sus enigmáticas pinturas, ilustran el interés por las teorías de Freud, el inconsciente o el lenguaje de los sueños. El paisaje orgánico y automático del chileno Roberto Matta o el personal estilo del canario Óscar Domínguez dan cuenta de los diferentes caminos de este gran movimiento cultural.

Mención especial merece la figura de Pablo Picasso. Su desbordante creatividad le llevó a inventar y transitar por numerosos estilos a lo largo de su vida. Es sin duda el artista que mejor representa el siglo XX.

«El arte no es la aplicación de un canon de belleza, sino lo que el instinto y el cerebro pueden concebir independientemente del canon» (Picasso) 
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2.- El signo y la forma:

Este ámbito está dedicado de manera monográfica a tres grandes del arte español más internacional: Tàpies, Chillida y Saura. La obra de los dos primeros fue adquirida en los años 80 y son los artistas mejor representados en la Colección Telefónica.

«En mi trabajo aparecen objetos, ropas, etcétera, con esta voluntad entre franciscana y budista de dar valor a aquello que es pequeño, sin afán de polémica.  Lo he hecho con la intención de dar dimensión cósmica a una cosa insignificante» (Antoni Tàpies)
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Tras el drama de la Segunda Guerra Mundial, el arte atraviesa un período marcado por un estado de malestar y trascendencia. El centro mundial de las artes se traslada de París a Nueva York. Tiene lugar el desarrollo de un estilo complejo y diverso denominado informalismo que se extenderá por Europa y Estados Unidos, y en el que la materia, el gesto, la ausencia de forma o lo abstracto generará numerosas e interesantes variantes.
A pesar del aislamiento franquista, su influjo llegará también a España y contará entre sus filas con autores de enorme relevancia nacional e internacional.
«El mar y Bach son mis maestros, de ellos aprendí el concepto del tiempo» (Eduardo Chillida) 
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Los tres artistas que se exponen en este ámbito ilustran algunas de las diferentes manifestaciones de este nuevo lenguaje. Antoni Tàpies es un claro referente del interés por la materialidad del cuadro, la huella del cuerpo o los materiales pobres, entre otros. Es, sin duda, uno de los grandes representantes del informalismo.
El lenguaje gestual utilizado por algunos pintores de este estilo se hace tangible en Antonio Saura y sus peculiares retratos feístas.
«El lienzo es un campo de batalla interminable» (Antonio Saura) 
Frente a ellos, el gran escultor vasco Eduardo Chillida tiene en la abstracción geométrica más pura el pilar de su obra.
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3.- Hacia otros caminos:

La selección de obras que se exhiben en este ámbito vio la luz a partir de la creación de una importante revista de pensamiento, tecnología y sociedad, la Revista Telos– que aun hoy edita Fundación Telefónica. Desde 1984 y durante más de quince años, la publicación contenía un cuadernillo central en el que se reproducían las series originales realizadas por los artistas invitados. Esta iniciativa atrajo a algunos de los autores más importantes del panorama contemporáneo español.

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Más de cuarenta artistas de diferentes generaciones, más o menos consagrados y con estilos y lenguajes totalmente diferentes, pasaron por las páginas de la Revista Telos, llegando a crear un interesante fondo de más de 400 dibujos.
La abstracción en todas sus variantes, el Pop, o la entusiasta vuelta a la pintura figurativa de los 80, permiten rastrear cómo el arte españolde hace más de cuatro décadas ha buscado nuevos caminosy experimentado un deseo constante de renovación.
Con una gran presencia femenina, Elena Asins, la recién galardonada con el Premio Velázquez 2020, Soledad Sevilla, Eva Lootz o la gallega Menchu Lamas dan testimonio de un panorama tan creativo como original.
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4.- Una figuración renovada:

En este bloque se agrupan una serie de artistas muy distintos entre sí pero que tienen en la figuración su razón de ser. Conviviendo con el arte abstracto de la mitad del siglo XX, se despliegan entornos rurales, visiones urbanas o interiores domésticos que demuestran cómo estos clásicos géneros se pueden pintar con un lenguaje moderno y renovado, en parte, heredero del arte anterior a la guerra civil.

Vázquez Díaz es una figura fundamental para comprender este momento. Ese estilo suyo tan característico, cercano al postcubismo, así como una importante labor formativa, marcó a un nutrido elenco de autores de generaciones siguientes.

La influencia vanguardista se entremezcla en ocasiones con las referencias del entorno artístico local. Es el caso de la artista Menchu Gal, cuya pintura sintetizada, de vibrante colorismo, y cercana por momentos al fauvismo, no deja de ser deudora también del arte vasco de sus colegas predecesores y de la escena artística madrileña, ciudad en la que también residió.

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A la vista está que cada uno de estos artistas desarrolla un estilo único y original. Como Godofredo Ortega Muñoz que, a pesar del aislamiento de la dictadura franquista, pudo viajar por todo el mundo y empaparse del arte internacional del momento. Sus recios paisajes extremeños o castellanos recogen el sentir de la pintura italiana y nórdica de su tiempo, a pesar de que la crítica nacional viese en su obra una marca española diferencial.

Por su parte, la sevillana Carmen Laffón consigue transmitir con su pintura un realismo muy especial, lleno de intimismo y poesía a través de unos efectos lumínicos y cromáticos muy sutiles.

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Opinión exposición «Destacados. Colección Telefónica» 

Como os he comentado al principio de esta entrada, me ha dado muchísima rabia no haber visitado antes esta exposición.  Por dos motivos.  El primero es que hubiese llegado a tiempo para recomendaros a todos los que vivís en Zaragoza que fueseis a verla, porque es (o era), sin ninguna duda, una cita imprescindible en la ciudad que hay que recorrer despacio para disfrutarla como es debido.

Y el segundo es que hubiese podido ir a verla más veces.  Cuando tenemos en nuestra mano la posibilidad de contemplar obras de esa calidad y de autores tan relevantes, no hay que perderse una sola vez por esas maravillosas paredes llenas de arte.  Hay que asomarse en más ocasiones, para descubrir más matices, más detalles.

Como contrapartida, tuve la suerte de pasear por la sala sin más público una tarde nublada de primavera.  No había filas en la entrada, no había más gente parada frente a las obras, pude recorrerla con una privilegiada tranquilidad, sin prisa, sin agobios, sin tener que ceder sitio, deteniéndome el tiempo que consideré en cada momento.  Eso compensa, en buena medida, mi despiste anterior.

***

Porque sí, la exposición «Destacados. Colección Teléfonica» hay que recorrerla con tranquilidad.  Revisando los textos explicativos que completan la muestra pero, sobre todo, deleitándote con las obras que nos vamos encontrando sin un orden cronológico.  Los nombres de los autores merecen un paso lento y calmado, observación minuciosa y contemplación desde distintos puntos de vista.

¿Qué puedo añadir a Picasso, Gris, Magritte, Delvaux, Tàpies, Chillida o Saura? ¿O a María Blanchard, Elena Asins, Soledad Sevilla, Eva Lootz, Menchu Gal, Carmen Laffón y Menchu Lamas? En escultura, con permiso de Pablo Serrano y Pablo Gargallo, me encanta Chillida.  El Peine del Viento, situado al final de la playa de Ondarreta de San Sebastián, es uno de mis lugares preferidos porque tiene magia.

Y, en esta exposición, hay escultura suya. Además, también se cuenta con dibujos del artista vasco. De él, se exhiben 7 dibujos y 3 esculturas y en otro espacio en la misma trayectoria visual, otros 9 collages, 4 dibujos, 1 cerámica y 1 litografía más. ¡Vaya regalazo un viernes por la tarde!

¿Y qué decir de las obras de gran formato de Tapiès? Siempre me han dejado con la boca abierta. ¿O de las nueve obras del oscense Antonio Saura?  En técnica mixta sobre papel son de los años 80-90 del siglo pasado, entre ellas la delicada ‘Biological software‘, de 1985.

***

¿No es maravilloso, sin salir de tu ciudad y más ahora que viajar es tan complicado, poder ver obras de estos increíbles artistas?  Sí, lo es.

¿No es una delicia poder contemplarlas casi en silencio, sin tener prisa, sin que nadie entorpezca tu paso y tu necesidad de mirarlas desde distintos puntos de vista? Sí, lo es.

¿Alguien puede resistirse a entrar en un edificio tan bonito como La Lonja para encontrarse con cuadros y esculturas del máximo nivel? Nadie puede resistirse.

Solamente puedo agregar que disfruté muchísimo y que fue un rato excelente, dentro de un día inolvidable en muchos sentidos.

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Exposición «El espíritu de Montmartre en tiempos de Toulouse-Lautrec»

Exposición «El espíritu de Montmartre en tiempos de Toulouse-Lautrec»

Durante las fechas navideñas, he podido visitar una nueva exposición«El espíritu de Montmartre en tiempos de Toulouse-Lautrec», que puede verse en CaixaForum Zaragoza.

exposición "El espíritu de Montmartre en tiempos de Toulouse-Lautrec" Mis Palabras con Letras 1

Montmartre no solo es el escenario de muchas obras del polifacético Toulouse-Lautrec.  Es también el motor social y cultural que definió su estilo moderno y carácter bohemio.

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Datos exposición «El espíritu de Montmartre en tiempos de Toulouse-Lautrec» 

Fecha: Del 27 de noviembre de 2020 al 14 de marzo de 2021

Lugar: CaixaForum Zaragoza

Horario: De lunes a domingo, de 10.00 a 20.00 horas.

Entrada: 6 euros. Gratis para clientes Caixabank y menores de 16 años.

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Servicio de educadores

De lunes a viernes, de 10 a 13 y de 17 a 20 horas, y fines de semana y festivos, de 11 a 14 y de 17 a 20 horas, habrá un educador en la sala a disposición del público para cualquier duda o comentario sobre la exposición. Servicio gratuito incluido con la entrada.

Introducción 

A través de pinturas, dibujos, carteles e ilustraciones, la exposición “El espíritu de Montmartre en tiempos de Toulouse-Lautrec” muestra la producción del artista en sintonía con la de sus artistas contemporáneos en el París de finales del siglo XIX.

Montmartre fue el denominador común geográfico para muchos de los artistas incluidos en esta exposición.  Sus calles, los cabarets y sus cafés del barrio fueron escenario de una explosión creativa. Una corriente marcada por la bohemia y la vanguardia de la mano de jóvenes artistas e intelectuales que desafiaron a lo establecido.

París y Montmartre

En esta exposición se presenta París y, especialmente, Montmartre, como la cuna de unos movimientos artísticos que desafiaron al sistema y trataron de asimilar la complejidad de una sociedad que ya no era fácilmente definible.
La obra de naturalistas, simbolistas, incohérents, nabis y, especialmente, la de Henri de Toulouse -Lautrec nos ofrece una visión renovada de la vida y de la sociedad durante este importante período del arte moderno francés.
En 1880, Montmartre era una zona marginal y peligrosa apartada de París que empezó a atraer a numerosos jóvenes creadores. Los artistas Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Signac, Pierre Bonnard y Henri-Gabriel Ibels, los intérpretes Aristide Bruant e Yvette Guilbert, los escritores Émile Goudeau, Alphonse Allais y Alfred Jarry, y los músicos Erik Satie, Vincent Hyspa y Gustave Charpentier se mudaron allí.
Todos ellos querían vivir gastando poco, trabajar en el París bohemio y evitar el centro burgués de la capital francesa.

El primer Le Chat Noir

Las propias calles de Montmartre y el entretenimiento que se encontraba en los cabarets, los teatros, los cafés concierto y los circos eran una fuerte inspiración para los artistas. No solo asistieron a los espectáculos y participaron en ellos.  Además, empatizaron con los vagabundos o las prostitutas, y se veían a sí mismos al margen de la sociedad establecida.
A finales de 1881 Rodolphe Salis, un artista frustrado, fundó en Montmartre el cabaré Le Chat Noir, en el número 84 del bulevar Rochechouart.  Lo proclamó «cabaré artístico» e invitó a jóvenes artistas, escritores, compositores y músicos a utilizarlo como su centro de actividades.
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En Le Chat Noir, un mobiliario pseudogótico que transmitía la creciente nostalgia por la tradición de Rabelais en Francia, decoraba el establecimiento de estilo Luis XIII.  Eugéne Grasset diseñó candelabros de hierro para el interior. Adolphe Willette fue responsable del diseño del emblemático letrero exterior del cabaré, un gatito negro sobre una media luna, y de la característica pintura de grandes dimensiones Parce domine.
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Las exposiciones y los bailes incohérents se sucedieron durante trece años.  El cabaré Le Chat Noir y sus clientes habituales, en especial los incohérents, fueron los principales impulsores de la consolidación de Montmartre como centro de vida artística y literaria vanguardista en París a principios de la década de 1880.
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Los incohérents llevaron al extremos el humor absurdo y antiburgués fumiste y produjeron obras artísticas que son el preludio del dadaísmo, el surrealismo y el arte conceptual del siglo XX.  En las exposiciones incohérents abundaban obras sorprendentes que se basaban sobre todo en juegos visuales y de combinaciones de palabras e imágenes.
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El segundo Le Chat Noir 

En junio de 1885 Salis logró trasladar Le Chat Noir a una gran hotellerie de tres plantas cuidadosamente amueblada en la Rue Victor Massé.  Estaba muy cerca del antiguo, que el cantante Aristide Bruant adquirió y rebautizó como Mirliton.
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La principal aportación del segundo Le Chat Noir fue el sofisticado teatro de sombras del cabaré, creado en 1886 por el artista Henri Rivière. Lo transformó en una producción teatral sumamente elaborada y técnicamente compleja que incorporaba todos los futuros elementos del cine: movimiento, color y sonido (música y voz).
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Las obras producidas en Le Chat Noir iban desde la saga napoleónica L’Épopée (1886) hasta el más puro humor fumiste de Le Fils de l’eunuque (1888) de Henry Somm, pasando por la mezcla de realismo y fantasía que encontramos en La Tentation de Saint Antoine de Riviére o la seriedad de la obra religiosa simbolista La Marche a l’ètoile (1890), de Rivièrey Georges Fragerolle.
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Las elaboradas producciones de Riviére requerían la participación de doce mecánicos y de muchos de sus amigos y colegas como guionistas, cantantes, músicos y ayudantes técnicos.
El cabaré Les Quat’z’Arts, en número 62 del bulevar de Clichy, abrió sus puertas en diciembre de 1893, siguió funcionando ya entrado el siglo XX y expandió el dinamismo del cabaret artistique iniciado por Le Chat Noir inventando espectáculos de revista y actuaciones de cabaré, además de los desfiles callejeros de la Vache enragée, conocidos como Vachalcades, de 1896 y 1807.
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El arte periodístico y la vanguardia

La invención en 1875 por parte del grabador Charles Gillot de un sistema para imprimir, con una prensa tipográfica, ilustraciones fotomecánicas en blanco y negro basadas en dibujos lineales revolucionó la industria editorial.
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De hecho, el dibujo fue esencial para la implicación de los artistas en la nueva tecnología de impresión.  Así, la función del dibujo cambió radicalmente durante esa época.  Dejó de ser en esencia un paso preparatorio para la pintura y se convirtió en un medio, independiente de aquella, para plasmar directa y mecánicamente la estética de los artistas en el soporte impreso que sería el producto final.
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Estos artistas enfatizaban la sencillez de los diseños lineales y planos y restaban importancia al realismo, con sus imprescindibles efectos de ilusión y tonalidad. En esencia, la nueva tecnología fue una fuerza liberadora que potenció las tendencias modernas en el arte, al tiempo que permitió a los artistas seguir ejerciendo el pleno control estético.
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Cuando Picasso, Duchamp, F. Kupla y otros futuros pintores vanguardistas del siglo XX llegaron a París en torno a 1900, ya tenían conocimiento e influencias del estilo y los temas del arte periodístico de artistas como Steinlen, Willette, Henri de Toulouse-Lautrec e Ibels.  Las bailarinas de cancán de Picasso para Le Frou Frou se inspiran en la obra de Toulouse-Lautrec, por ejemplo.
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Cafés, Cafés concierto y salas de baile

El origen del café parisino como lugar público para el consumo de bebidas se remonta a principios del siglo XVII.  Durante el primer cuarto del XIX los cafés serían también centros de reunión de pequeños grupos de poetas y artistas.
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Con la transformación de París, por parte del barón Haussmann durante el reinado de Napoleón III, en las décadas de 1850 y 1860, los cafés concierto irrumpieron plenamente como estructuras elaboradas, con un escenario para los actores y una sala (o un jardín en verano) con un aforo de entre 500 y 1500 espectadores.
En ellos actuaron gran variedad de cantantes y actores, como Arístide Bruant, Yvette Guilbert y Loïe Fuller.
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Las salas de baile parisinas atendían a una clientela muy diversa.  Así, el Bal Bullier, en la orilla izquierda, atraía a los estudiantes.  El Moulin Rouge, al igual que la sala de baile L’Elysée-Montmartre, más antigua y situada dos puertas más abajo que Le Chat Noir original, y el futuro Casino de París (1891), en el número 15 de la Rue de Clichy, acogían a una clientela exclusiva y promovían un cierto grado de desinhibición sexual.
En el Moulin de la Gallette, frecuentado por la clase trabajadora pobre e inculta, cada baile costaba ochenta céntimos por pareja. En cambio, el Moulin Rouge cobraba a cada cliente, fuera hombre o mujer, una carísima entrada de entre dos y tres francos solo por ver los impetuosos bailes de cancán o chahut.
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Teatro y espectáculos

En la primavera de 1887 André Antoine fundó el Théatre Librecon sede en Montmartre, en el número 96 de la Rue Blanche. Este teatro experimental produjo unas obras naturalistas basadas en novelas de Zola, Paul Alexis, los hermanos Goncourt y otros autores.
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A lo largo de su existencia, este tipo de teatros encargaron a muchos de los artistas locales de Montmartre ilustraciones.  Ilustraciones para las portadas de sus programas y, como a Tolouse-Lautrec y Valtat, el diseño de decorados.  De hecho, el entorno colaborativo y experimental del cabaré Le Chat Noir se potenció y reavivó con la existencia de esos teatros.
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El circo 

En el último cuarto del siglo XIX, el circo alcanzó un alto grado de aceptación social y profesional entre las comunidades artística y literaria.
Existía una gran afinidad entre los jóvenes artistas radicales y los actores a quienes dibujaban. El circo es teatro, es drama, es humor y también un espectáculo de destreza física. Lleva las capacidades al límite de lo sobrehumano y hace posible lo que normalmente se considera imposible.
Fueron estas cualidades las que impulsaron también a artistas como Toulouse-Lautrec, Bonnard, Ibels y Joseph Faverot, entre otros, a incluir el circo en su repertorio pictórico.
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La representación de la mujer 

Más allá del interés por dibujar prostitutas, la representación de la mujer por parte de los artistas de Montmartre va desde los retratos realistas y meditativos en entornos pastorales o interiores domésticos hasta la fantasía y el idealismo simbolistas. Y del desnudo austero al exótico. Todo ello en contraposición a la arraigada definición académica de la belleza y la modestia clásicas.

Opinión exposición «El espíritu de Montmartre en tiempos de Toulouse-Lautrec» 

Sinceramente, tenéis que visitar esta exposición sí o sí.  No hay excusas, es una cita imprescindible ahora mismo en Zaragoza.  Ahora que no se puede viajar, vas a desplazarte durante un rato a París, y en concreto, a Montmartre.  Por un momento, vas a disfrutar del espíritu de ese barrio bohemio y vas a sentirte parte de un grupo de interesantes artistas.

Sí, es verdad, siempre me ha gustado Toulouse-Lautrec y su obra, pero además en esta muestra, he podido conocer mucho mejor el ambiente que le rodeaba y las expresiones artísticas que hicieron tan especial esa etapa del arte francés.

De hecho, ahora tengo pendiente de ver una recomendación que me han hecho sobre este magnífico artista, marcado por un accidente en su infancia.  En concreto, la película “Moulin Rouge”  de 1952, dirigida por John Huston y protagonizada por José Ferrer y Zsa Zsa Gabor.  Habrá que sacar un ratito como sea.

***

La exposición «El espíritu de Montmartre en tiempos de Toulouse-Lautrec» hay que recorrerla con tranquilidad.  Además, las distintas partes en las que se divide están perfectamente delimitadas, incluso las salas tienen diferentes colores para diferenciarlas sin dificultad.  Cada tema cuenta con un texto explicativo que sirve de contexto y da las pautas para entender de forma más clara el contenido.

Las obras son de gran valor y consiguen trasladarte a ese barrio parisino que siempre ha sido considerado bohemio y sede de todo tipo de expresiones artísticas.  Es también una muestra muy completa, ya que, junto a las obras (más de trescientas con préstamos internacionales de colecciones públicas y privadas), podemos escuchar música de la época o sentirnos por un momento dentro de un cabaré.

Disfruté muchísimo conociendo más cosas sobre el teatro de sombras, viendo todo el montaje que era necesario y las placas que utilizaban llamaron mi atención desde el principio por su bella factura.  Me reí con algunos títulos de los incohérents porque eran realmente ingeniosos y me sorprendieron calificándose de hidropáticos o representando escenas eróticas de personajes famosos de la época.

***

Agradecí bastante las explicaciones que nos dio un educador durante la visita, porque nos facilitó más datos sobre aquello en lo que nos deteníamos o comentábamos, nos hizo fijarnos en pormenores que eran relevantes y respondió a algunas de nuestras dudas.  Respetando siempre nuestros tiempos, acertó con sus pinceladas sobre la influencia oriental o sobre la evolución de la firma de Toulouse-Lautrec.

Hubo un pequeño detalle que no me gustó.  Tras atravesar el cortinaje de entrada, te encuentras con una puerta de emergencia de frente.  Tal vez otra orientación hubiese resultado más apropiada para una primera impresión, aunque entiendo que es probable que no pudiese hacerse de otro modo.

En cualquier caso, sí, tenéis que ir a ver la exposición «El espíritu de Montmartre en tiempos de Toulouse-Lautrec».  No os podéis perder esta interesante cita cultural.  Y os recomiendo que lo hagáis con calma, atentos a toda la información y saboreando cada imagen (pinturas, dibujos, carteles e ilustraciones) y cada texto.

Exposición «De barro y luz. Manuel Outumuro»

Exposición «De barro y luz. Manuel Outumuro»

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En mitad de un otoño diferente, he visitado una nueva exposición en el centro de Zaragoza, la exposición «De barro y luz.  Manuel Outumuro« que puede verse en la Lonja.

 

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La muestra está dentro de la programación de la XXIII edición de PHotoEspaña.

En la misma, se pueden contemplar rostros tan icónicos  y habituales para nosotros como Penélope Cruz (con varios retratos), Pedro Almodóvar, Carme Elías, Nicole Kidman, Buika, Bebe, Martina Klein, Rosa Regàs, Pau Gasol, Ferrán Adriá o Bimba Bosé.

 

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Datos

Fecha: Del 9 de octubre de 2020 al 10 de enero de 2021

Lugar: La Lonja

Horario: Laborables, de 10 a 14 y de 17 a 21 horas.  Domingos y festivos, de 10 a 14.30 horas. Lunes cerrado

Entrada: gratuita.  Aforo reducido

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Actividades didácticas

Visitas para centros educativos, Escuela de artes y colectivos
Miércoles, a las 18 horas y jueves, a las 10.30 horas

Información y reservas:
976 721 447 o didacticacultura@zaragoza.es

 

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Visitas para público general
Domingos, a las 11 h

Visitas para familias
Sábados, a las 18 h (24 de octubre; 7 y 21 de noviembre; 12 de diciembre)

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«De barro y luz» 

“La vida esta hecha
de esos dos elementos:
barro y luz.
El barro como materia
que define la forma,
y la luz como espíritu,
como alma”

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Estos dos aspectos, barro y luz, son explorados por el fotógrafo cada vez que se enfrenta a una nueva sesión.

 

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El barro, metafóricamente, como materia que define la forma del cuerpo y el rostro del sujeto.

 

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La luz como alma, como espíritu.

 

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Estos dos elementos son explorados por Outumuro a la hora de enfrentarse a un nuevo retrato, utilizándolos como herramienta imprescindible para propiciar una representación, para poder fijar al individuo en una imagen única e irrepetible suspendida en el tiempo, en algún lugar remoto.

 

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El secreto de un buen retrato, según él, consiste en iluminar al personaje con la sutileza y el respeto necesario para que la luz infundida no atenúe nunca su propia luz.

 

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Para retratar también hay que infundir luz a la figura, al rostro del personaje.

 

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Hay que hacerlo con el respeto y el cuidado necesario para que nunca esa luz externa atenúe la propia luz que emite el retratado.

 

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Según Outumuro ese es el secreto de un buen retrato y de eso se trata: fijar, potenciar, resaltar y hacer única a una persona, como único es el segundo en que fue disparado.

 

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Contenido exposición «De barro y luz. Manuel Outumuro» 

Ciento treinta fotografías, de otros tantos personajes, configuran esta muestra en la que Outumuro.

 

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Retratos de diferentes personajes, disparados a lo largo de los últimos veinticinco años, en los que la mirada del fotógrafo pone ante nuestros ojos insólitos perfiles del retratado.

 

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Retratos que documentan una época y dejan constancia de una forma de ver, de un modo de mirar.

 

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Un modo de ver, el de Outumuro, aparentemente sencillo, elegantemente simple y atemporal, dotado de un nuevo clasicismo donde se adivina maestría y oficio.

 

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Una muestra en la que destaca la pureza propia de aquel niño que veía reflejos de luz como diamantes mientras moldeaba barro en una charca perdida de la Galicia rural.

 

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Outumuro

Outumuro es uno de los fotógrafos más reconocidos de nuestro país. Tras una formación académica como diseñador gráfico se pasa a la fotografía de una forma totalmente autodidacta.

 

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Tiene editados cinco libros de fotografía, colabora habitualmente con las publicaciones más prestigiosas, ha participado en diferentes muestras colectivas y ha realizado varias exposiciones individuales.

 

 

Sus fotografías de moda, organizadas en un amplio archivo con más de 10.000 negativos y una gran cantidad de material digital, constituyen un documento único que refleja una parte de la historia de la moda en estos últimos veinticinco años.

 

 

En otra vertiente, su archivo constituye también una memoria visual única donde se encuentran fotografiados los protagonistas de la historia del cine español de los últimos 25 años. Este material sigue ampliándose con sus continuas colaboraciones en diversas publicaciones.

 

Opinión exposición «De barro y luz. Manuel Outumuro» 

Hacía mucho tiempo que no visitaba una exposición en mi ciudad, así que os podéis imaginar que ¡me supo a gloria!

Además, siempre que puedo me encanta entrar en La Lonja, uno de los edificios más bonitos de Zaragoza y en los que es un privilegio perderse un rato.

El propio artista subrayó que era el escenario ideal para su obra, marcada por la elegancia, la puesta en escena, la composición y, ante todo, el dibujo de la luz.

Es importante recalcar que se aplican todas las medidas necesarias para que tu visita sea segura.  De modo que no hay ninguna excusa en ese sentido.  Hay que tener claro que la cultura es segura.

 

 

La exposición merece la pena.  Son fotografías de personajes muy conocidos, muy famosos, muy reconocibles pero vistos desde otro punto de vista.  Hay actores y actrices del cine español y mundial, escritores, artistas y gente de la moda.

Hay que detenerse en cada una de ellas, porque esconden un mensaje, una visión diferente.

«Hago esencialmente moda y retrato, pero cada vez me inclino más hacia el retrato; hay fotos que son de moda pero que a la vez son retratos puros y funcionan bien; hay obras que no se han visto nunca, que fueron los descartes»

Creo que el artista consigue una evidente complicidad con la persona retratada y eso queda reflejada en cada una de las imágenes.

«Hago muchos dibujos previos; de alguna manera ya tienes en la cabeza la foto, pero a veces en la sesión suceden cosas y cambia lo que habías previsto. Esto también me gusta. La foto nace de la documentación, del estudio del personaje y de la alianza entre el azar y la observación. Y no busco los lugares oscuros de la gente, sino la luminosidad. Ya he pisado mucho estiércol y mucha mierda en el pasado».

 

 

Por todo lo anterior, os animo a que vayáis a ver estas maravillosas fotografías llenas de alma y con una técnica excelente, no os vais a arrepentir.

 

Exposición «De Rubens a Van Dyck.  La pintura flamenca en la Colección Gerstenmaier»

Exposición «De Rubens a Van Dyck. La pintura flamenca en la Colección Gerstenmaier»

Exposición De Rubens a Van Dyck Mis Palabras con Letras 1

Cuando queda muy poquito para que termine, he tenido la oportunidad de visitar una nueva exposición en el centro de Zaragoza.  Se trata de la exposición «De Rubens a Van Dyck.  La pintura flamenca en la Colección Gerstenmaier» que puede verse en el Museo Goya.

Exposición De Rubens a Van Dyck Mis Palabras con Letras 2

Datos

Fecha: Del 12 de noviembre de 2019 al 16 de febrero de 2020

Lugar: Museo Goya

Horario: De lunes a sábado, de 10 a 14 y de 16 a 20 horas.  Domingos y festivos, de 10 a 14 horas.

Entrada: 6 euros (3 euros para clientes de Ibercaja)

Exposición De Rubens a Van Dyck Mis Palabras con Letras 3

Introducción

La exposición «De Rubens a Van Dyck. La pintura flamenca en la Colección Gerstenmaier» traza un recorrido desde el siglo XV hasta principios del siglo XVIII. A través de 42 obras podremos apreciar las principales características de esta pintura.

Se trata de una exquisita selección que nos muestra piezas de las figuras más importantes de la pintura flamenca como:

  • Peter Paul Rubens
  • Anton Van Dyck
  • Hendrick Goltzius
  • Jan Brueghel «El Viejo»
  • Joost de Momper «El Joven»
  • Martin de Vos, Jan Brueghel de Velours
  • Jan Van Kessel «El Viejo»
  • Gaspar Pieter Verbruggen

 

Exposición De Rubens a Van Dyck Mis Palabras con Letras 4

Contenido

La muestra se ha dividido en seis grandes espacios según la temática de las piezas: pintura religiosa, bodegones, paisajes, retratos y mitología.

Dentro de la Escuela Flamenca los artistas abordaron distintos géneros. Así, estaremos ante obras de marcado carácter religioso, obras mitológicas, retratos, etc.

Exposición De Rubens a Van Dyck Mis Palabras con Letras 5

El bodegón 

Supone uno de los temas más recurrentes de la historia de la pintura occidental.  La composición de los objetos, el juego con la luz y el claroscuro, la perfecta imitación de la naturaleza en busca de engañar al espectador, el estudio de la materia y el alarde técnico son sólo algunas de las características de estas obras.

Muchas veces la obra se convierte en un ejercicio sobre los propios valores de la pintura, -tema muy tratado en la época, en la que se buscaba dignificar la pintura como un trabajo intelectual-, otras expresaba un mensaje personal del autor o del comitente y en un gran número de casos un mensaje moralizante.

Exposición De Rubens a Van Dyck Mis Palabras con Letras 6

Arte religioso

La producción de los pintores flamencos fue de una gran calidad dentro de este campo importándose desde todo el mundo sus obras devocionales, caracterizadas por el detallismo de su técnica y unos colores brillantes y vivos.

En un primer momento nombres como Jan van Eyck, Roger van der Weyden o El Bosco hicieron de la pintura flamenca religiosa un elemento a admirar y codiciar.

Posteriormente, con el Barroco y la exaltación del sentimiento cristiano en todos los ámbitos, nombres como Rubens destacan por su especial expresividad, muy acorde con el objetivo de las obras encargadas.

El paisaje

Será a partir del siglo XV, con la pintura flamenca, cuando el paisaje adquiera una relevancia que en ningún momento había tenido.

Los artistas darán una gran importancia a la representación de la naturaleza en sus obras trabajando con minuciosidad cada uno de los objetos y destacando por su detallismo y dedicación.

Casi siempre podremos ver en las obras una pequeña muestra de la pericia del autor en la captación del entorno natural, bien por ser el lugar donde se realiza la escena o bien, en las escenas de interior, por la apertura de una ventana por la que se ve un paisaje.

El grabado

Entre las obras seleccionadas tenemos la oportunidad de observar un buen número de estampas realizadas mediante esta técnica.  Los dos retratos de Rubens, Felipe IV e Isabel de Borbón, son dos excepcionales muestras de la delicadeza que se puede llegar a alcanzar con el aguafuerte y nos sirven como ejemplo de la excelente mano del artista flamenco como grabador.

Igualmente deslumbrantes son las estampas que componen la serie «Iconografía de hombres ilustres» de Anton van Dyck, alumno de Rubens y otro de los grandes artistas flamencos del Barroco.

Los ejemplos incluidos en la exposición nos acercan a su faceta como grabador, donde podemos ver su habilidad para el dibujo, el gran dominio del aguafuerte, y la sensibilidad con la que contó a la hora de interpretar los gestos, rostros y texturas de sus retratados.

La mitología

Será principalmente en el encargo de obras civiles, sobre todo grandes programas iconográficos en los que se exaltaban determinadas características de una persona o genealogía, cuando se recurra a la mitología como fuente de inspiración.

Se apelara a la representación de los panteones griego y romano para aludir a las grandes gestas, enseñanzas morales, alegorías, mensajes complejos o genealogías.

El retrato

A partir del Renacimiento el retrato comienza a considerarse un género autónomo que no necesita de otros temas adicionales para legitimarlo.

Es la colocación del ser humano en el centro del universo, revolucionaria transformación renacentista que dota al hombre de la vanidad suficiente como para hacerse centro de una obra de arte.

Parten desde aquí múltiples variantes en las que se ensayan soluciones nuevas para resolver las necesidades de este género: los perfiles, los historiados, de familia y agrupaciones, los retratos en escenas históricas, etcétera.

La colección privada de Hans Rudolf Gerstenmaier

El empresario alemán ha reunido un gran número de pinturas europeas de diversas escuelas y procedencias, destacando las pertenecientes a la pintura flamenca.

Gerstenmaier llegó a España en 1962, sin casi dinero. Al poco tiempo creó su propia empresa de recambio de piezas de coches alemanes, que con los años llegó a tener 150 empleados y 30 delegaciones en España, también en Zaragoza (primero en el Coso, luego en la calle de Aragón).

En la década de los 70 empezó a sentirse atraído por la pintura flamenca y comenzó su colección de arte. Para Gerstenmaier, las piezas que atesora su colección conforman un conjunto “magnífico y armonioso” y lo que se puede ver en Zaragoza es “lo más excepcional”.

No atesora obras para disfrutarlas en privado, él tiene la fuera convicción de que su deber con la sociedad es compartir la belleza y la sabiduría que el arte nos ofrece.

Visitas

Visitas público individual: Sábados, 10 y 17 h. Domingos, 10 h.
Visitas grupos: De lunes a sábados, 10 y 17 h. Domingos, 10 h. Los grupos son hasta 30 personas, hay que reservar plaza.

Duración: 60 minutos.
Precio: 8 euros.

Mi opinión

Sin ninguna duda, os recomiendo la visita a la exposición «De Rubens a Van Dyck. La pintura flamenca en la Colección Gerstenmaier», pero tendréis que daros prisa, porque el 16 de diciembre termina el tiempo para poder verla.

Hay algunas piezas que son realmente interesantes, como la serie “Iconografía de hombres Ilustres” de Anton Van Dyck, un excelente ejemplo de cómo podían acceder al retrato en ese momento un mayor número de grupos sociales, gracias a la valoración del hombre por sus propios méritos y a la difusión de las técnicas calcográficas.

Asimismo destacan la “Virgen de Cumberland” de Peter Paul Rubens, “La Adoración de los Magos” de Artus Wolffort y “Jesús despojado de sus vestiduras” de Frans Francken II.  Las tres son obras de carácter religioso, en este género la producción de los pintores flamencos fue de una gran calidad, caracterizada por el detallismo de su técnica y, por supuesto, por los colores utilizados.

Además, en uno de los paneles informativos de la muestra podemos conocer mejor el contexto histórico en el que se desarrolló esta pintura.  No olvidemos que el arte nace dentro de un contexto histórico y bajo unas condiciones económicas y sociales determinadas.  Esas circunstancias son las que permitieron el desarrollo de la Pintura Flamenca que hoy, siglos después, podemos apreciar, disfrutar y comprender de una manera única a través de estas 42 obras.

También aprendemos más de cada uno de los géneros, porque nos detallan qué son y su evolución. Por ejemplo, me ha llamado la atención que, aunque el bodegón ha sido tratado muchas veces como un género menor, supone uno de los temas más recurrentes de la historia de la pintura occidental.  O que el paisaje ha ido variando su valoración, pasando de un papel secundario a uno principal en un camino paulatino y lento hacia la independencia del género.

Y puede verse un vídeo de este importante coleccionista.  Así, descubrimos que el inconformismo y la filantropía son los dos elementos claves para que Hans Rudolf Gerstenmaier haya llegado a convertirse en uno de los grandes coleccionistas de nuestro país.

En definitiva, os está esperando esta interesante exposición de pintura flamenca «De Rubens a Van Dyck. La pintura flamenca en la Colección Gerstenmaier» en el Museo Goya, en pleno centro de Zaragoza.  ¡No os la perdáis!  Y después, ya sabéis, podéis compartir con nosotros vuestros comentarios.

 

Exposición «Tintín y la Luna»

Exposición «Tintín y la Luna»

Tintín y la Luna Mis Palabras con Letras 1

He tenido la suerte de que una buena amiga me invitase a visitar una interesante exposición y os doy más detalles sobre la misma.

Se trata de la exposición «Tintin y la Luna» que puede verse en el CaixaForum Zaragoza.

Tintín y la Luna Mis Palabras con Letras 2

Datos

Fecha: Del 27 de noviembre de 2019 hasta el 1 de marzo de 2020

Lugar: CaixaForum Zaragoza

Horario: De lunes a domingo y festivos, de 10 a 20 horas

Entrada: 6 euros (gracias clientes CaixaBank y menores de 16 años)

Tintín y la Luna Mis Palabras con Letras 3

Introducción

En 1969, un ser humano, el astronauta Neil Armstrong, pisaba la Luna por primera vez. Sin embargo… ¡Tintín ya la había pisado mucho antes, en 1950! Ciencia y cómic se unen para relatar ese viaje histórico.

En 2019 se cumplieron 50 años de la llegada del hombre a la Luna. Esta exposición relata la misión que lo hizo posible, el proyecto Apollo, y sus logros científicos y tecnológicos.

Tintín y la Luna Mis Palabras con Letras 4

El célebre personaje Tintín, de la mano de su autor Hergé, tuvo la suerte de comenzar su viaje al satélite en el año 1950.  Concretamente en el cómic «Objetivo: la Luna», para pisarla dos años después, en 1952, en «Aterrizaje en la Luna».

El personaje de cómic se adelantaba así nada menos que 17 años al astronauta Neil Armstrong y a su compañero Edwin Eugene Aldrin, apodado «Buzz», quien lo hizo en segundo lugar.

Tintín y la Luna Mis Palabras con Letras 5

Contenido

En esta exposición se ve cómo la humanidad ha soñado con alcanzar la superficie de la Luna desde siempre.  En especial desde que Galileo la observara por primera vez con un telescopio construido por él mismo en 1609.

Entre las piezas que componen la exposición, se encuentra la reproducción del primer telescopio de Galileo, que le permitió ver y estudiar la superficie de este satélite.  Los telescopios que utilizó Galileo producían la imagen mediante juegos de lentes.

Durante siglos, el telescopio permitió dibujar mapas cada vez más y más detallados de la superficie de nuestro satélite: algunos, verdaderas obras de arte.

Tintín y la Luna Mis Palabras con Letras 6

Hay información sobre las distintas fases de la luna y también podemos ver la réplica de la escafandra de Emilio Herrera. En 1935 este ingeniero creó la escafandra estratonáutica, un modelo autónomo para los tripulantes de globos de gran altitud que fue el precursor del traje espacial. El estallido de la guerra dio al traste con el proyecto de utilizarlo en vuelo.

La exposición muestra todo lo que conocemos acerca de nuestro satélite natural, y cómo se prepara un viaje espacial hoy y también medio siglo atrás, en aquella misión histórica que culminó con la llegada a la Luna el 20 de julio de 1969.

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El Apollo 11 culminó un programa de misiones tripuladas iniciado por la NASA a principios de la década de 1960, en dura competencia con los esfuerzos de la Unión Soviética. Al Apollo 11 le precedieron un par de vuelos en órbita terrestre, el primer vuelo tripulado para circunvalar la Luna y un ensayo general que incluía todas las maniobras excepto el alunizaje propiamente dicho.

Partiendo de las estaciones de seguimiento espacial involucradas en esa misión, podemos rehacer el viaje que en su día hizo la misión tripulada Apollo 11.

El proyecto exigió la construcción de una red de centros de control. Además se establecieron tres estaciones de seguimiento (una en Fresnadillas de la Oliva, en España), para poder mantener las comunicaciones durante la trayectoria hacia la Luna, así como el alunizaje y el regreso a la Tierra.

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En la exposición «Tintín y la Luna» se pueden observar las diferentes fases del Saturn V, el cohete de la NASA que impulsó la cápsula en la que viajaban los tres astronautas: Neil Armstrong, Edwin Eugene Aldrin “Buzz” y Michael Collins.

El primer requisito para alcanzar la Luna es conseguir suficiente velocidad, casi 11 kilómetros por segundo.  Para ello, los ingenieros diseñaron el Satum V, el cohete de mayor tamaño y potencia utilizado hasta hoy, así como todas las instalaciones necesarias para su lanzamiento y el control del vuelo.

Hay una maqueta, medía más de 110 metros de altura (como un edificio de 36 pisos) y pesaba unas 2800 toneladas al despegue.

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Asimismo, nos enteramos de qué experimentos hicieron en ese viaje, lo que dejaron allí y lo que trajeron a la Tierra, y por supuesto, cómo fue el viaje de regreso hasta nuestro planeta.

Los astronautas deben llevar consigo todos los consumibles que necesitarán durante el viaje: oxígeno, alimentos, agua… Además de consumibles, también debían llevar equipos de ejercicio, botiquines médicos, herramientas y, en especial, equipos de grabación.

Por eso, encontramos los alimentos utilizados en viajes espaciales, incluyendo las latas de refresco de cola, especialmente diseñadas para viajar al espacio, así como diferentes objetos reales y productos de higiene y de primera necesidad, desde la pasta de dientes hasta las bolsas fecales y de orina.

En la Luna, los residuos, tanto sólidos como líquidos, se arrojaban al exterior para reducir peso antes del despegue.

Y no pueden faltar documentos, diarios, revistas y objetos de merchandising que narran ese momento histórico.

Es muy chula la reproducción de la sección de mandos del módulo lunar.  Era una nave muy pequeña en la que se había ahorrado hasta el último gramo, por ejemplo, carecía de asientos. Los dos pilotos iban de pie, lo que permitía una mejor visión del terreno.

También destaca una reproducción del ordenador de a bordo, un ordenador que, pese a ser el primero en construirse usando circuitos integrados, tenía únicamente teclado numérico y sus prestaciones eran infinitamente menores de las que da hoy el teléfono móvil más primitivo.

Su diseño marcó un hito en el desarrollo de equipos informáticos, tanto en el software como en el hardware.  Aunque en realidad, se parecería más a una calculadora de ahora.

El primer viaje a la Luna fue una misión con una fuerte carga simbólica pero limitado alcance científico.  La estancia duró menos de un día; y la salida al exterior, poco más de dos horas. Los astronautas nunca se alejaron más de cincuenta metros de su nave.

El principal objetivo era comprobar las dificultades para moverse y trabajar y, sobre todo, obtener algunas muestras de suelo lunar.

El Apollo 11 llevó a la Luna tres experimentos científicos: un captador de viento solar, un reflector láser y un sismómetro para registar temblores del terreno.

Los astronautas llevaban consigo todos los equipos necesarios para cualquier imprevisto: herramientas (tanto para su uso dentro de la nave como para recoger muestras), aparatos para hacer ejercicio y mantenerse en forma, e incluso un kit de supervivencia por si a su regreso aterrizaban en zonas deshabitadas.

Hay una vitrina con las herramientas empleadas en las tareas de la nave o un cedé con la música que emplearon los astronautas para hacer gimnasia en una reciente misión espacial.

Y es especialmente impresionante la reproducción a escala real de la cápsula en la que los astronautas regresaron al planeta. ¡Qué pena no poder sentarse en sus asientos imaginando su regreso a casa!

El módulo de mando era el vehículo que cobijaba a los astronautas durante la mayor parte de la misión: lanzamiento, trayectoria translunar, órbita lunar y retorno a la Tierra.

Era la única parte de la nave capaz de resistir el calor producido por la reentrada en la atmósfera.  Pero sus reservas de aire, agua y electricidad eran mínimas.

La segunda parte

La segunda parte se centra en la figura de Hergé.  En su forma de trabajar y en las aventuras de Tintín relacionadas con la luna.

En las paredes nos sorprenden las ilustraciones de su famoso cohete.

Y también de la luna.

A través de una serie de vitrinas con la fisonomía del planeta Saturno, aprendemos más sobre su forma de trabajar, sobre el proceso de creación a partir de bocetos y cartas.

1. La idea de base

«Para mí, crear un cómica es, antes que nada, contar una historia. Por lo tanto, al igual que con cualquier historia, lo primero que necesito es un hilo conductor, una especie de hilo de Ariadna, que el lector (¡y también el autor!) pueda seguir». 

2. La construcción de la historia

«En mi caso, texto y dibujos nacen de forma simultánea: una cosa complementa y explica la otra.  Luego, muy paulatinamente, a medida que el relato avanza, la historia se desarrolla, adquiere solidez y se enriquece con nuevos personajes, ocurrencias y acontecimientos inesperados.  Esta es la función de los bocetos iniciales.  En ocasiones, es necesaria una gran cantidad de bocetos antes de llegar al esquema definitivo». 

3. La documentación

«Al confeccionar la maqueta del cohete lunar, fuimos muy minuciosos; y, al terminarla, la mostramos al propio Ananoff para que nos diera su visto bueno. Quería que, cuando Bob de Moor dibujara el cohete, supiera exactamente en qué parte de la nave espacial se encontraban los personajes.  Era básico que todo los detalles estuvieran en su lugar, y que todo fuera perfecto». 

4. El dibujo a lápiz

«En esta fase, empleo toda mi energía.  Dibujo furiosamente, como un poseso, borro, tacho, estallo, voy demasiado lejos, me obstino, suelto tacos, hago bocetos de tal o tal postura… A veces, me dejo llevar hasta tal punto que termino perforando el papel: estoy tan concentrado tratando de conferir la máxima intensidad a una expresión o a un movimiento que ni me percato de ello». 

5. El entintado

«Si es que existe un «truco» para dibujar con trazos firmes y sin machas de tinta, sinceramente, no creo que sea algo que me pertenezca en exclusiva… Existen decenas, cientos de dibujantes, que dominan el arte de trazar líneas firmes y evitar las manchas de tinta». 

6. El coloreado

«Salvo raras excepciones, los colores se aplican uniformemente, es decir, sin sombras ni degradados. En mi opinión, eso mejor la legibilidad del resultado final y hace que los dibujos sean más frescos». 

7. Producción y Distribución

«Llegados a este punto, el trabajo del dibujante se ha terminado.  A partir de aquí, toma el relevo el fotograbador, que es quien realiza las placas que luego se imprimirán.  Y finalmente llega el turno del impresor.  Él es el encargado de poner en marcha las prensas de impresión, que empezarán a girar con su ruido retumbante…» 

Mi opinión

En definitiva, os recomiendo que hagáis un hueco en vuestra agenda cuanto antes y que visitéis esta exposición porque es realmente interesante.

Sobre todo, porque el contenido es muy didáctico y nos permite descubrir mucho más sobre la luna, verla muy de cerca y, a través de una pantalla táctil, visitarla con detalle, comprobando dónde aterrizaron las distintas expediciones.

La muestra está compuesta por documentos sonoros y gráficos de la misión, módulos interactivos como el simulador del lanzamiento de un cohete y objetos como las muestras de alimentos y los productos de aseo que los astronautas utilizaban en el transbordador, los trajes espaciales o el ordenador de a bordo con el que se llegó hasta la Luna.

Y cuenta con muchos medios táctiles con mucha información, incluyendo juegos y experiencias que hacen la visita muy entretenida. No nos perdimos nada, tocamos todo, probamos todo y repetimos los vídeos explicativos una y otra vez.

Sin ninguna duda, la exposición transmite las dificultades de la conquista de la luna, cómo hubo que aguzar el ingenio para resolver problemas con una tecnología hoy obsoleta.

A pesar de que no soy una gran aficionada al cómic, adoro a Tintín desde muy pequeña.  Buena parte de la culpa de que sea ahora lectora empedernida la tiene él.  Me leí todos los volúmenes y ahorraba para ir comprándomelos poco a poco.  Me apasionaban sus aventuras y sus increíbles viajes.  Admiraba su lealtad, su amistad y sus perspicacia.

Por eso, ha sido un placer disfrutar con los dibujos de Hergé, con sus palabras y con las ilustraciones decorativas, en las que tuve que hacerme las fotos correspondientes.

¡Un millón de gracias por la invitación a la visita, gracias por pensar en mí y por el ratico de después! Cierto, es un lujo encontrar alguien con quien conversar.